CHEYENNE
THIS MUST BE THE PLACE

Ein Film von Paolo Sorrentino

mit Sean Penn, Frances McDormand, Judd Hirsch, 
Eve Hewson, Harry Dean Stanton und David Byrne

Nicola Giuliano, Andrea Occhipinti, Francesca Cima und Medusa Film
präsentieren
Eine Indigo Film, Lucky Red und Medusa Film Produktion
In Kooperation mit 
Arp, France 2 Cinema, Element Pictures
Unter Beteiligung von
Bord Scannán Na hÉireann/ The Irish Film Board
Ein Ko-Produktion zwischen 
Italien – Frankreich - Irland
Mit Unterstützung von 
Media Programme of the European Union, Eurimages
In Zusammenarbeit mit
Canal +, Cinecinema, France Television

119 Minuten – Farbe – Dolby Digital - Cinemascope – Italien, Frankreich, Irland 2011    

Kinostart: 6. Jänner 2012

Verleih
Luna Filmverleih GmbH.
Mariahilfer Straße 58/7
A-1070 Wien
Tel: 01/523 43 62-0
office@lunafilm.at
www.lunafilm.at

Pressebetreuung
Susanne Auzinger
01/523 43 62-23
s.auzinger@filmladen.at
Kooperationen
Nicole Albiez
01/523 43 62-40
n.albiez@filmladen.at
Maxie Klein
01/523 43 62-42
m.klein@filmladen.at

INHALTSANGABE

KURZINHALT & PRESSENOTIZ .     .     .     .      .      .     .     .     .     .     .     .     .     .      3
INHALT    .     .    .     .     .      .      .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .      4-7
EIN GESPRÄCH MIT PAOLO SORRENTINO .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     8-15
DAVID BYRNE ÜBER …    .      .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .  16-19
EIN GESPRÄCH  MIT EVE HEWSON    .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .   20-22
STOP MAKING SENSE    .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     23-26
BESETZUNGS- UND STABLISTE    .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .    .     27-28
SCHAUSPIELER  .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .    .     .  29-43
STAB	.    .     .     .      .      .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .    .  44-49
SONGTEXT THIS MUST BE THE PLACE  .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     .     52

KURZINHALT & PRESSENOTIZ

Cheyenne (SEAN PENN) war ein gefeierter Rockstar. Er ist 50 Jahre alt und sieht immer noch so aus wie damals, ein Goth mit schwarzen, toupierten Haaren, weiß geschminktem Gesicht und rotem Lippenstift. Seit Jahren lebt er zurückgezogen mit seiner Frau Jane (FRANCES McDORMAND) in einer Villa in Dublin, immer sachte schwankend zwischen gepflegter Langeweile und nagender Depression. 
Der Tod seines Vaters, mit dem er seit 30 Jahren nicht gesprochen hat, führt ihn zurück nach New York. Dort erfährt er von der Besessenheit seines Vaters: Rache zu nehmen für eine schwerwiegende Demütigung, die er erfahren musste. 
Cheyenne beschließt, die Suche seines Vaters fortzuführen. Und begibt sich auf eine Reise, die ihn ins Herz der USA und zu sich selbst führt...

THIS MUST BE THE PLACE ist ein Roadmovie, wie es noch keines gegeben hat, mit Oscar®-Gewinner Sean Penn in der Hauptrolle, wie man ihn noch nie gesehen hat. Perfekt ausbalanciert zwischen bewegendem Drama und hintergrü[3]ndiger Komödie erzählt Sorrentino von einem zurückgezogen lebenden, notorisch depressiven Rockstar, der sich nach dem Tod seines Vaters in den USA aufmacht, die Spuren dessen Besessenheit zu verfolgen. In der vor Einfällen und Ideen nur so strotzenden Verbeugung vor dem Kino der Achtzigerjahre von Jonathan Demme und David Lynch und der Rockmusik von The Cure und Talking Heads spielen Oscar®-Gewinnerin Frances McDormand und Leinwandlegende Harry Dean Stanton weitere tragende Rollen. Die Musik stammt von dem legendären Talking Head David Byrne, der in einer Gastrolle als er selbst zu sehen ist. 
Paolo Sorrentino löst mit seinem ersten in englischer Sprache und komplett außerhalb seines Heimatlandes gedrehten Film THIS MUST BE THE PLACE das Versprechen, welches er mit der Cannes-Sensation IL DIVO vor drei Jahren gegeben hatte.

INHALT

Fast exakt 20 Jahre sind vergangen, seitdem Cheyenne (SEAN PENN) alles stehen und liegen ließ. Und sich von der Außenwelt, wie wir sie kennen, verabschiedete. Auf der Höhe seines Ruhms und Reichtums und Erfolgs mit seiner Rockband Cheyenne and the Fellows. Einen Grund hat er den Menschen, den Fans, den Medien nie genannt. Er ist einfach vom Erdboden verschwunden. Seither lebt er das Leben eines Einsiedlers in seiner Villa in Dublin, immer sachte schwankend zwischen gepflegter Langeweile und nagender Depression. 

Cheyenne ist mittlerweile 50 Jahre alt, aber er sieht immer noch so aus wie damals, als er im Rampenlicht stand –ein Goth, durch und durch. Er trägt abenteuerlich toupierte, pechschwarz gefärbte Haare, atemberaubend aufgetürmt zu etwas, was wie ein Rattennest aussieht, sein Gesicht ist bleich geschminkt, die Augen sind mit Mascara verziert, die Lippen rot bemalt. Er trägt eine steinalte Kapuzenjacke, knallenge Hosen, die seine Beine aussehen lassen wie Froschbeine, und bizarre Plateauturnschuhe. Kurz gesagt: Cheyenne sieht aus wie ein Witz, aber er trägt seinen Look mit der Würde eines Mannes, der nichts anderes kennt. Dazu spricht er mit ausdrucksloser, hoch kieksender Stimme, sein Lachen gleicht einem asthmatischen Aufheulen. Doch meistens wirkt Cheyenne ungerührt von seiner Umwelt und seinem eigenen Leben, das er unfähig zu leben wäre, wenn seine Frau Jane (FRANCES McDORMAND) nicht wäre.

Jane hat ganz klar die Hosen an. Sie schmeißt den Haushalt und organisiert das Leben ihres Mannes, damit er es führen kann, wie er will, ohne dass es aus den Fugen geraten könnte. Sie hat sich nicht einfach nur mit Cheyennes Schrullen arrangiert. Sie sind der Grund, warum sie ihren Mann heute noch so liebt wie am Anfang, weil sie versteht, dass es die Idiosynkrasien sind, die ihn ausmachen. Das sprichwörtliche alte Ehepaar? Das sind Jane und Cheyenne, nur dass der Gatte vielleicht ein bisschen anders aussieht, als man es von einem Herren im gestandenen Alter erwarten würde. 

Cheyenne hat es sich eingerichtet in seiner Existenz des fortgeschrittenen Nichtstuns. Die Außenwelt wird ignoriert, sämtliche Anfragen nach einer möglichen Reunion seiner Band oder eines öffentlichen Auftritts werden abgeblockt. Nur der Aktienmarkt beschäftigt Cheyenne. Er spekuliert, erfolgreich, aber er sieht schwarz für die Zukunft der Wirtschaft. Aber ein Goth muss schwarz sehen, oder? Zu Cheyennes extrem begrenztem Freundeskreis gehört sein Schulfreund Jeffrey (SIMON DELANEY), ein Berg von einem Mann, hinter dem sich Cheyenne mehrere Male verstecken könnte und der wie ein Buch redet, vor allem über die Unmöglichkeit andauernder Beziehungen zu Frauen. 

Cheyennes engste Vertraute ist indes ein 16-jähriges Mädchen, Mary (EVE HEWSON), ebenfalls ein Goth, die schwer am Leben zu kauen hat. Ihr älterer Bruder hat sich vor längerer Zeit spurlos verabschiedet und hat sich seither nicht wieder gemeldet. Marys Mutter (OLWEN FOUÉRÉ) hat er damit nicht nur das Herz gebrochen. Sein Verschwinden hat ihr den Verstand geraubt. Völlig isoliert in ihrem Vakuum sitzt sie im ersten Stock ihres Häuschens am Fenster und wartet auf die Rückkehr des Sohnes – wenn sie nicht gerade ziellos durch die Straßen irrt, wo sie von der Polizei aufgegriffen wird. Mary wird völlig ignoriert. Die Mutter erkennt die Tochter nicht einmal mehr. Längst sind Cheyenne und Jane eine Art Ersatzeltern für den unglücklichen Teenager geworden, auch wenn manchmal nicht ganz sicher ist, wer da auf wen aufpasst: Cheyenne auf Mary? Oder doch eher Mary auf Cheyenne? Schwer zu sagen. Die Beiden sind Gleichgesinnte, Ebenbürtige, Seelenverwandte. 

Bei ihrer täglichen Routine im Einkaufszentrum, in dem sie gemeinsam Kaffee trinken gehen, sehen sie eine Rockband, die ein Lied von Bonnie Prince Billy als Punksong interpretieren. Passenderweise haben sie sich Pieces of Shit genannt. Die Band ist nicht schlecht, vor allem aber der attraktive Sänger imponiert Cheyenne, doch als der Gitarrist zum Solo ansetzt, muss Cheyenne sich mit Grausen abwenden: Er verabscheut Gitarrensolos. Seine Band war berühmt dafür, den Rhythmusgitarristen in den Vordergrund zu stellen – und sich alsbald von der Sologitarre zu verabschieden. Im Café drückt sich ein grotesk normal aussehender Junge um Cheyenne und Mary herum – Desmond. Es ist offensichtlich, dass er in Mary verliebt ist. Es ist auch offensichtlich, dass Mary diese Gefühle nicht teilt. Ebenso ist es offensichtlich, dass Cheyenne den Jungen sympathisch findet und alles unternimmt, die beiden miteinander zu verkuppeln. Immerhin gelingt es ihm, Desmond zusammen mit Mary sowie Jeffrey und dessen neuer Flamme zu einem Abendessen zu sich in die Villa einzuladen. Mary sträubt sich. Man muss ihr Zeit geben, ist Cheyennes Rat an Desmond.
Gemeinsam mit Mary besucht Cheyenne das Grab zweier Jugendlicher. Die Grabinschrift ist eine Passage aus dem Talking-Heads-Song „This Must Be the Place“. Die bereits anwesenden Eltern der beiden Jungs sind nicht begeistert, als sie Cheyenne sagen. Unmissverständlich machen sie ihm klar, dass er nicht erwünscht ist. An seinen Nachmittagen wartet Cheyenne immer wieder vor Marys Haus und beobachtet Marys Mutter, wie sie am Fenster sitzt und in die Leere starrt, als könne dort in jedem Moment ihr Sohn auftauchen. Der Sänger der Pieces of Shit taucht vor Cheyennes Anwesen auf und versucht ihn zu überreden, seine Band zu produzieren. Cheyenne lehnt ab, lässt sich aber eine Demo-CD in die Hand drücken. Seit einiger Zeit arbeitet es in Cheyenne: Er hat den Eindruck, er müsse etwas ändern in seinem Leben, er müsse raus. Als er schließlich erfährt, dass sein Vater in New York im Sterben liegt, gibt das den Ausschlag. Obwohl er seit Jahren keinerlei Kontakt mehr zu dem Mann hatte, der wenig mehr als ein Fremder für Cheyenne ist, beschließt er nach New York zu reisen.

Es ist das Abenteuer seines Lebens. Cheyenne ist froh, wenn er sich im eigenen Haus nicht verläuft. Nun will er raus in die weite Welt. So sehr im das Angst macht, so sehr ist ihm und Jane bewusst, dass er diese Reise machen muss, wenn er sich nicht vollends verlieren will. Tatsächlich macht er sich auf den Weg, in seinem bizarren Look, nur einen kleinen Trolleykoffer und die CD der Pieces of Shit als Gepäck bei sich. Es dauert eine Weile, bis er sich in New York zurechtfindet. Schließlich schafft Cheyenne es zur Adresse seines Vaters, in einer jüdischen Nachbarschaft, wo er von seinem jüngeren Cousin Richard (LIRON LEVO), einem orthodoxen Juden, empfangen wird. Er ist zu spät gekommen. Der Vater ist bereits gestorben. Cheyenne betrachtet alleine den aufgebahrten Leichnam – der Mann, der sein Vater gewesen war und den er niemals gekannt hatte. Cheyenne fällt eine Tätowierung am Handgelenk auf – eine Abfolge von Zahlen. 

Cheyenne besucht ein Konzert der Talking Heads. Danach trifft er hinter der Bühne deren Kopf, David Byrne. Die beiden Freunde haben sich lange nicht gesehen und umarmen sich. Wir erfahren, dass Cheyenne sich aus dem Geschäft zurückgezogen hatte, weil zwei Teenager sich das Leben nahmen, während sie einen seiner Songs hörten. Bis heute hat er sich nicht von dem Trauma erholt. Im Haus seines Vaters findet Cheyenne die Tagebücher des alten Mannes. Er beginnt darin zu lesen. Und erfährt Dinge, die er nie gewusst hatte. Richard erzählt Cheyenne, dass sein Vater sein ganzes Leben einem Ziel untergeordnet hatte: Er wollte den Mann finden, der ihn im Konzentrationslager demütigte – Aloise Lange. Tatsächlich sei er bei seinen Nachforschungen so weit gekommen, dass er Langes amerikanische Frau aufgestöbert habe. 

Cheyenne trifft Mordecai Levy (JUDD HIRSCH), dem erfolgreichsten jüdischen Nazijäger, der im Lauf seines 79-jährigen Lebens viele der untergetauchten Bastarde aufgestöbert und der Gerechtigkeit zugeführt hat. Cheyenne hat den Entschluss gefasst, die Suche seines Vaters fortzusetzen und Aloise Lange zu finden, irgendwo im amerikanischen Hinterland. Er beschafft sich ein Auto. Cheyenne muss an die Worte seines Vaters im Tagebuch denken: „Vor dem Inferno könnte man mein Leben mit einem Wort zusammenfassen: Unbeschwertheit...“ Und Cheyenne fährt los. THIS MUST BE THE PLACE...

„ Wichtig ist nur, dass man sich keine Fragen stellt “
Ein Gespräch mit Paolo Sorrentino

Wie haben Sie Sean Penn kennen gelernt? Und wie kam es zu Ihrer Zusammenarbeit?
Ich habe Sean Penn 2008 am Abschlussabend des Festival de Cannes kennengelernt. In diesem Jahr war er Präsident der Jury, und ich gewann für IL DIVO den Jurypreis. Er sagte mir, wie sehr ihm der Film gefallen hatte. Für mich war das Ansporn genug, mit dem Gedanken zu spielen, womöglich einen Film mit ihm machen zu können. Ich hätte allerdings nie erwartet, dass diese Fantasie Realität werden könnte, wie ein richtiger amerikanischer Traum. 

Wie kamen Sie auf die beiden Hauptthemen des Films: das Porträt eines depressiven Rockstars und die Jagd nach einem alten Nazi?
In meinen Augen muss es sich bei jedem Film um eine unnachgiebige Jagd nach dem Unbekannten und einem Geheimnis handeln – weniger um unbedingt die Antwort zu finden, als vielmehr die Frage an sich am Leben zu erhalten. Während der Entstehungsphase dieses Films kreisten meine Gedanken immer wieder um eine Sache: Was für ein mysteriöses und geheimes Leben führen ehemalige Naziverbrecher in irgendwelchen Teilen der Welt? Es sind Männer, die mittlerweile die beruhigenden Züge harmloser, alter Menschen besitzen, deren Vergangenheit aber auf ewig von dem unaussprechlichsten aller Verbrechen gekennzeichnet ist: der geplanten Auslöschung anderer Menschen. Das sind zwei Bilder, die man nur schwer zusammenbekommt. Um einen dieser Männer aufzuspüren, musste es also eine Jagd geben. Und wenn man eine Jagd hat, muss es einen Jäger geben. Hier kommt ein weiteres Element des Films ins Spiel: Für mich muss jedes Drama immer mit Ironie gebrochen werden. Das ist eine ganz instinktive Reaktion von mir. Umberto Contarello und mir war klar, dass es keinen institutionellen Nazijäger geben durfte, vielmehr schwirrte uns die Antithese eines herkömmlichen Detektivs im Kopf herum: ein langsamer, fauler Rockstar, der so gelangweilt und in seiner sich unentwegt nur aus sich selbst speisenden Welt gefangen ist, dass er auf den ersten Blick der absolute letzte Mensch ist, von dem man sich vorstellen könnte, dass er sich auf so etwas Verrücktes wie die Jagd nach einem Naziverbrecher, der vielleicht auch schon tot ist, quer durch die USA einlässt. Der Tragödie aller Tragödien, dem Holocaust, die Welt der Popmusik gegenüber zu stellen, der Inbegriff des Aufgeblasenen, Oberflächlichen und Frivolen, schien mir eine Kombination, die so gefährlich und gewagt ist, dass sich daraus eine interessante Geschichte entwickeln ließ. Ich finde, eine Geschichte ist es nur dann wert, erzählt zu werden, wenn die Gefahr besteht, dass man sie in den Sand setzt, dass man daran scheitert. Ich hoffe natürlich, dass ich nicht gescheitert bin. 

Erzählen Sie uns von Cheyenne. Wie würden Sie ihn beschreiben?
Cheyenne ist kindlich, aber nicht unberechenbar. Wie viele Erwachsene, die ihre Kindheit nie so recht hinter sich lassen, hat er es raus, nur die klaren, berührenden und erträglichen Eigenschaften von Kindern für sich behalten zu haben. Aufgrund eines traumatischen Erlebnisses ist er auf der Höhe seines Ruhmes aus dem Musikgeschäft ausgestiegen. Seither versucht er vergeblich, ein Zentrum in seinem Leben zu finden. Es zieht sich einfach nur dahin, oszilliert zwischen Langeweile und leichter Depression. Er schwebt. Und wie das so ist bei Männern, deren Füße den Boden nicht so recht berühren, findet er das Leben nur erträglich, wenn er ihm mit Ironie und Oberflächlichkeit begegnet. Diese Einstellung spiegelt sich unmittelbar in der Art und Weise, wie er von anderen Menschen gesehen wird. Cheyenne ist völlig unabsichtlich ein wahrhaftiger Quell der Freude. Wenn er auf die für ihn typische naive und gedankenlose Weise sagt, das Leben stecke voller Schönheit, dann will man ihm förmlich glauben. Weil da ein kleiner Junge spricht. Und tief in sich will man unbedingt der alten Weisheit glauben: Kindermund tut Wahrheit kund. 

Warum war es Ihnen ein Anliegen, eine Geschichte über den Holocaust zu erzählen?
Es wäre ein bisschen übertrieben zu sagen, ich hätte einen Film über den Holocaust gemacht. Der Film spielt in der Gegenwart. Die unfassbare Tragödie spiegelt sich nur in durchdringenden Blitzen, zaghaften Intuitionen oder Folgerungen wider. Aber es stimmt natürlich, dass ich wollte, dass das Wissen um den Holocaust wie eine dunkle Wolke über der Gegenwart hängt, in der meine Geschichte spielt. Ich habe versucht, mich dem Thema aus einer anderen und, wie ich hoffe, neuen Richtung zu nähern. Aber im Grunde steht ein anderes wichtiges Element im Fokus: die Abwesenheit – die per Definition auch immer eine Anwesenheit impliziert – der Beziehung zwischen einem Vater und einem Sohn. 

Warum haben Sie den Namen Cheyenne gewählt?
Es ist ein typischer Name für einen Rockstar. Ich hatte nach einen Namen gesucht, der authentisch klingt. Wir griffen auf einen der gelungensten Bandnamen der Geschichte der Rockmusik zurück, Siouxsie and the Banshees, und modifizierten ihn ein wenig, zu Cheyenne and the Fellows.

Wie reagierte Sean Penn auf das Drehbuch?
Ich schickte das Drehbuch an ihn in dem festen Glauben, das ich Monate auf seine Antwort würde warten müssen. Es gibt das Gerücht, auch wenn ich es nicht bestätigen kann, dass Sean im Monat um die 40 Drehbücher zugeschickt bekommt. Als ich es abgeschickt hatte, begann ich mir sofort den Kopf darüber zu zerbrechen, ob es nicht noch eine andere Idee gäbe, die ein wenig realistischer sein würde. Ehrlich gesagt, war dieser verrückte Plan von mir, einen unabhängigen Film in den USA mit dem Typen, der gerade den Oscar als bester Hauptdarsteller gewonnen hatte, zu drehen, doch eher unrealistisch. Ich war mir sicher, dass da nichts daraus werden würde. Stattdessen hatte ich 24 Stunden später eine Nachricht von Sean Penn auf meinem Anrufbeantworter. Ich dachte natürlich zuerst, dass mir da jemand einen Streich spielt. Was auch sonst? Mein Produzent Nicola Guiliano, mit dem ich gut befreundet bin, spielt gerne Streiche und hat ein Talent, seine Stimme zu verstellen. Aber ich hatte mich getäuscht. Mitten in der Nacht führte ich ein Telefongespräch mit Sean Penn, der mir erzählte, wie gut ihm das Drehbuch gefiel und dass ihm nur die eine Szene Sorge bereitete, in der er tanzen sollte. Ich fand, dass das ein Problem war, das sich bewältigen lassen würde. Einen Monat später reiste ich mit meinem Drehbuchautoren und Produzenten nach San Francisco, um mich mit Sean zu treffen. Wir verbrachten einen wunderbaren Abend miteinander, in dessen Verlauf er immer neue Ideen entwickelte, wie seine Figur zu spielen war. Eine Bestätigung für eine Vermutung, die ich schon lange habe: Große Schauspieler wissen immer mehr über ihre Figuren als der Autor oder der Regisseur. 

Was hat Sean Penn beigesteuert?
Sean Penn ist für einen Regisseur ein Traumschauspieler. Er respektiert die Vorstellungen des Regisseurs voll und ganz, hat aber den Dreh raus, wie man sie noch verbessert. Dazu kommt sein unfassbares Talent, seinen Figuren eine Glaubwürdigkeit und Tiefe zu verleihen, die ich, da will ich ganz ehrlich sein, niemals erreichen würde, auch wenn ich mein ganzes Leben lang darüber brüten würde. Mein Kameramann Luca Bigazzi und ich waren begeistert und beeindruckt vom Ausmaß seines Talents, vor allem aber von seiner Präzision bei allem, was er anpackt. Vor jeder Einstellung gab es immer unendlich viele Dinge, die wir ihm sagen wollten, nur um dann zu realisieren, dass man ihm nichts mehr sagen musste, weil er es längst selbst verstanden und verinnerlicht hatte – Gesten, Blicke, genaue Bewegungen. Mit ihm als Mitstreiter an der Seite fiel es auf einmal ganz leicht, unausweichliche technische Schwierigkeiten zu meistern. 

Erzählen Sie uns von Cheyennes bizarrem Aussehen –Lippenstift, Makeup, Frisur, immer in Schwarz gewandet.
Der Look ist offenkundig von Robert Smith, Sänger von The Cure, inspiriert. Schon als Jugendlicher hatte ich ein paar Konzerte von The Cure besucht. Dann war ich vor drei Jahren wieder auf einem Konzert von ihnen. Und da war Robert Smith, mittlerweile 50 Jahre alt, der immer noch exakt so aussah wie mit Zwanzig. Es war schockierend. Und das meine ich im positivsten Sinne des Wortes. Als ich ihn hinter der Bühne von Nahem sah, verstand ich, wie wunderschön und berührend Widersprüche in einem Menschen sein können. Vor mir stand ein 50-Jähriger, der sich immer noch voll und ganz mit einem Aussehen identifizierte, das eigentlich einem Jugendlichen gehört. Aber es war überhaupt nicht aufgesetzt oder albern oder traurig. Für mich zählte nur das Eine, das in Filmen wie im wahren Leben immer wieder in Staunen versetzt: das Außergewöhnliche, die einzigartige und elektrisierende Ausnahme. Monate später hatte ich dasselbe Erlebnis noch einmal, an einem sehr heißen Juli-Tag in New York, als wir mit Sean Penn die ersten Makeup- und Kostümproben hatten. Vor meinen Augen spielte sich ein kleines Wunder ab, als ich ganz still beobachtete, wie der Schauspieler Sean Penn sich verwandelte, Schritt für Schritt, erst mit Lippenstift, dann mit Mascara und den Kostümen, schließlich als er sich darin zu bewegen begann - auf ganz ungezwungene, natürliche Weise, aber doch ganz anders, als man es von ihm gewohnt ist – und im Verlauf eine völlig andere Person wurde: Cheyenne. 

Wie würden Sie die Beziehung zwischen Jane und Cheyenne beschreiben?
Ich muss gestehen, dass ich mich bei diesem „Subtext“ bei meinem eigenen Leben bedient habe. Ich habe da ein bisschen bei der Beziehung von meiner Frau und mir geklaut. Es ist eine Beziehung, in der die eher vage Abstraktheit des Mannes durch die unnachgiebige Bodenständigkeit der Ehefrau wettgemacht wird. Nur ihr ist es zu verdanken, dass dieses Leben ohne Traumata und nutzlose Dramen weitergehen kann. Umberto Contarello und ich haben versucht, den Kontrast zwischen dem Abstakten und des Konkreten im Rahmen eines ironischen Kontextes wiederzugeben. Um den spielerischen Aspekt der Beziehung zwischen Sean Penn und Frances McDormand machte ich mir nie Sorgen: Beiden wurde es in die Wiege gelegt, andere Menschen zum Lachen zu bringen. Ich bin ein glücklicher Mann, dass Frances McDormand zugestimmt hat, die Rolle der Jane zu übernehmen. Um sie zu überzeugen, schrieb ich ihr einen Brief, in dem ich androhte, dass ich Cheyenne einfach zu einem Junggesellen oder Witwer machen würde, wenn sie ablehnte. Das ist die Wahrheit. Ich konnte mir für diese Rolle einfach nur sie vorstellen. Als ich France kennenlernte, war sie tatsächlich genauso, wie ich sie mir ausgemalt hatte: eine intelligente Frau mit einem feinen Radar – und einem unberechenbaren und unerschöpflichen Sinn für Humor.

In der Passage des Films, die in Dublin spielt, ist auch Mary eine wichtige Figur in Cheyennes Leben...
Mary ist eine junge Freundin und ein Fan von Cheyenne; sie leidet sehr an den Dingen, an denen sie zu kauen hat – und Cheyenne gibt sich auf seine Weise alle erdenkliche Mühe, ihr dabei zu helfen, sich besser zu fühlen. Am Ende stellt sich heraus, dass sie aber diejenige ist, der es trotz ihrer Jugend gelingt, Cheyennes Schmerzen zu lindern. Ich fand interessant, wie sich die Rollen da vertauschen. Für die Rolle wählte ich eine sehr vielversprechende und erwachsene junge irische Schauspielerin: Eve Hewson. Vom ersten Moment an war ich fasziniert davon, dass ein so junges Mädchen bereits so erwachsen denken kann. Dies ist eine Qualität, die sie für die Figur regelrecht prädestiniert. Und sie wird ihr im Verlauf ihrer Karriere sicherlich häufig hilfreich sein.

Warum wollten Sie in Dublin drehen?
Einfache Antwort: Dublin ist wunderschön und melancholisch. Diese beiden Qualitäten schöpfe ich im Film bis zur Neige aus.

Und warum wollten Sie danach in die USA wechseln?
Ich wollte, schamlos und arglos, all die ikonischen Filmdrehorte aufsuchen, die mich von Kindesbeinen dazu gebracht haben, das Kino zu lieben: New York, die amerikanische Wüste, die Tankstellen, die Bars mit ihren besonders langen Tresen, der endlose Horizont. Amerikanische Orte sind ein Traum. Und wenn man sie dann tatsächlich aufsucht, werden sie nicht auf einmal Realität, sondern bleiben ein Traum. Wenn ich mich in den USA aufhalte, habe ich immer das Gefühl, als wäre die Realität aufgehoben.

Wie würden Sie Ihr Porträt Amerikas beschreiben?
Es ist immer riskant, eine persönliche Vision von etwas umsetzen zu wollen, das man nicht sehr gut kennt. Nun habe ich schon viele Reisen auch durch die entlegenen Ecken des Landes unternommen, aber trotzdem ist mein Blick immer noch der eines Touristen. Ich hatte aber eine gute Entschuldigung: eine Hauptfigur namens Cheyenne, der seit 30 Jahren keinen Fuß mehr auf amerikanischen Boden gesetzt hatte. Wir waren beide Touristen, allerdings mit einem offenen Rückflugticket. Also machten wir uns daran, eine Welt zu entdecken, die uns schon unendlich oft beschrieben wurde, einfach weil sie so flüchtig und wandelbar ist. 

Kannten Sie Judd Hirsch und Harry Dean Stanton schon vor dem Film?
Harry Dean Stanton ist eines meiner großen Idole. Weil ich für diesen Film mit amerikanischen Schauspielern arbeiten und sie mir selbst aussuchen konnte, wählte ich als erstes Harry Dean Stanton. Unser erstes Treffen war aufregend und überraschend. Wir saßen uns nur gegenüber und sagten nichts. Ganz lange. Ewig. Ich wäre vor Scham am liebsten gestorben und er fühlte sich absolut wohl, auch wenn es sich für ihn anfühlen musste wie in einem Aquarium. Dann, ohne Vorwarnung, sagte er: „Ich bin glücklich, weil ich keine Antworten habe.“ Nur um auch etwas zu sagen, antwortete ich: „Wichtig ist nur, dass man sich keine Fragen stellt.“ Danach waren wir wieder still. Und dann war das Treffen vorbei und wir verabschiedeten uns. Ein paar Stunden später wurde ich von einem seiner Assistenten angerufen, der mich wissen ließ, dass Harry Dean Stanton sehr von mir beeindruckt gewesen sei. Einen kurzen Moment fühlte es sich an, als befände ich mich mitten in einem guten Drehbuch. 
Sean Penn war es, der mir vorschlug, Judd Hirsch für die Rolle des Mordecai Midler in Betracht zu ziehen. Es war eine Rolle, deren Besetzung mir einiges Kopfzerbrechen bereitete. Als ich Judd zum ersten Mal sah, fiel eine tonnenschwere Last von mir ab. Und das nicht nur, weil er ein formidabler Schauspieler ist, sondern auch, weil er voll und ganz meiner Vorstellung der Figur entsprach: menschlich, sensibel und manchmal auch griesgrämig, alles zur gleichen Zeit, er ist sympathisch und väterlich, ohne sich darum bemühen zu müssen.

Lässt sich dieser Film stilistisch oder ästhetisch mit Ihren früheren Filmen vergleichen?
Ich bin nicht der richtige Mann für die Beantwortung dieser Frage. Ich hoffe, dass ich dem grundlegenden Prinzip dieses Films gerecht geworden bin: Ich wollte, wann immer es möglich war, eine ganz simple und zugleich „schöne“ Mise-en-scene benutzen, die ganz im Dienst der Figuren steht.

Musik spielte ebenfalls eine wichtige Rolle. Wie sind Sie bei der Auswahl vorgegangen?
Ich habe die Musik mit dem Herzen ausgewählt, wie das Autoren gängiger Frauenliteratur sagen würden. Spaß beiseite, es war wirklich so. Anders als in der Vergangenheit hatte ich nicht das Bedürfnis, rational an die Musik heranzugehen. Ich wollte vielmehr die gewaltige Emotion und Leidenschaft noch einmal erleben, als mich mein neun Jahre älterer Bruder in meiner Kindheit in die Geheimnisse dieser großartigen Musik, die man Rock’n’Roll nennt, einweihte. Ich habe mich in dieser Phase meines Lebens mit großer Begeisterung daran gemacht, alles genau zu untersuchen, was mit Rock zu tun hatte. Besonders hatten es mir die Talking Heads und deren brillanter Kopf David Byrne angetan. Also habe ich es gewagt, David Byrne drei Fragen zu stellen, als ich mit der Arbeit an THIS MUST BE THE PLACE begann: ob ich den Song als Titel und Themensong verwenden dürfte, ob er die Filmmusik komponieren wollte, und ob er selbst im Film auftreten wollte. Raten sie mal: Er hat dreimal mit Ja geantwortet. 
Wovon haben Sie sich für den Film inspirieren lassen?
Ganz unterbewusst gibt es immer sehr viele Vorbilder, glaube ich. Ganz bewusst muss ich allerdings sagen, dass ich während der Arbeit oft an David Lynchs Meisterwerk THE STRAIGHT STORY („Eine wahre Geschichte – The Straight Story“, 1999) denken musste. 

Wie wird das Publikum Ihrer Ansicht nach auf den Film reagieren?
Ich habe sehr positiv reagiert. Und ich bin Teil des Publikums.

DAVID BYRNE...

... über das Komponieren der Filmmusik
Ich war auf Tour in Europa, und Paolo suchte mich in Turin auf. Sein fantastischer Film IL DIVO („Il Divo“, 2008) war gerade in New York gelaufen und hatte hymnische Kritiken erhalten. Ich war also sehr glücklich, dass ich ihn kennenlernen durfte. Er und seine Produzenten arbeiteten bereits an einem neuen Filmprojekt und erzählten mir, worum es dabei gehen sollte. Sie erzählten mir nicht die ganze Geschichte, nur dass es um einen zurückgezogen lebenden Rockstar gehen sollte, und dass sie hofften, ich würde die Filmmusik dafür komponieren. Ich dachte mir, dass es ein ganz schön ambitionierter Schritt sei, von einem schönen und unglaublichen, aber doch eher wenig gesehenen italienischen Film hin zu einem, wie es mir erschien, ziemlich aufwändigen Film in englischer Sprache. Also sagte ich ihnen, dass ich in der Gegend und auf Tour sei und man sich wieder an mich wenden sollte, wenn die Finanzierung und Produktion stünde. Und tatsächlich, ein Jahr später waren sie so weit und hatten einen Termin für den Drehstart und wollten wieder über die Musik reden. Ich war überrascht. Aber auf  angenehme Weise. 

Ich las also das Drehbuch. Drei Dinge gab es, die Paolo wichtig waren. Zunächst wollte er, dass ich mit den Talking Heads in einer Szene einen Song live spiele. Das war nicht besonders kompliziert. Dann gehörte es zur Geschichte, dass Sean Penns Figur von einem jungen Sänger und Liedermacher eine CD überreicht bekommt. Sie brauchten diese Songs, weil sich die Hauptfigur diese CD Lied für Lied im Verlauf seiner Reise anhört. Die Schwierigkeit lag darin, dass ich die Lieder zwar schreiben, aber unmöglich singen konnte. Man kennt meine Stimme, und sie ist offensichtlich nicht die des Jungen. Um glaubwürdig zu sein, musste man einen Jungen finden, der die Lieder sang. Und schließlich ging es um den Score. Paolo hatte Beispiele für instrumentelle Passagen, ein gewisser Stil zeitgemäßer klassischer Stücke, den er sich für die Filmmusik wünschte. Aber ich schreckte ein wenig vor der Filmmusik zurück, weil ich dachte, ich hätte alle Hände voll mit den Demos zu tun, die der Junge geschrieben und aufgenommen hat. Sie durften nicht zu glatt und produziert klingen, sie mussten den Anschein erwecken, noch nicht ganz ausgearbeitet zu sein.

Im Drehbuch erwähnt Paolo den Songwriter Will Oldham, den man auch unter seinem Pseudonym Bonnie Prince Billy kennt, zur musikalischen Orientierung. Tatsächlich tritt der Junge in einem Einkaufszentrum auf und spielt dort eines von Wills Liedern. Also sagte ich zu Paolo: Warum sprichst Du Will nicht direkt an und fragst ihn, ob er die Lieder schreiben will? Offenbar fühlst du dich von seinen Sachen angesprochen. Er war sich nicht sicher, aber ich hatte Will während meiner Tour kennengelernt, also schlug ich vor, den Kontakt herzustellen und ihn zu fragen, ob er die Lieder zusammen mit mir schreiben wollte. Paolo willigte ein und Will sagte, dass er das gerne versuchen wolle. Ich dachte, bevor wir uns zu weit aus dem Fenster rauslehnen, nehmen wir schnell mal ein paar ganz grobe Versionen mit Gesang auf und schicken das an Paolo, um zu sehen, ob wir uns auf dem richtigen Weg befänden. Ein paar davon funktionierten, also feilten Will und ich an ihnen weiter, schickten wieder ein paar grobe Skizzen an Paolo. Einige akzeptierte er, einige schoben wir auf die lange Bank. Das war der Prozess, den wir verfolgten, bis wir alle Songs beieinander hatten, mit Ausnahme eines Songs, für den Will den kompletten Text schrieb. Das war interessant, weil der Text völlig anders war als etwas, das ich schreiben würde. Das ist der Grund, warum man gemeinsam an etwas arbeitet. Das Ergebnis soll anders sein, als wenn man es allein gemacht hätte. 

Weil der junge Schauspieler aus Dublin, der den Jungen mit den Demos spielt, sich als nicht allzu begabter Sänger erwies, mussten wir jemand finden, dem man abnehmen würde, dass seine Stimme dem Jungen gehört. Ich stieß hier in New York auf einen irischen Sänger, der mit einer ziemlich hohen Tenorstimme spricht und einen ganz leichten irischen Akzent hatte. Wir fanden ihn durch MySpace. Er kam vorbei und sang die Lieder ein und machte seine Sache sehr gut. 

Der Name der Band im Film ist Pieces of Shit, was einen sofort an eine Punkband denken lässt. Die Musik, die wir erarbeitet hatten, passte nicht richtig dazu. Paolo gab uns zusätzlich eine Richtung, wenn er einen Song melancholischer haben wollte oder einen anderen fröhlicher. Die Hauptfigur basiert äußerlich vor allem auf Robert Smith, dem Sänger von The Cure. Ich sagte Pablo, dass ich vermutlich nicht der richtige Mann für die Musik wäre, wenn er wollte, dass sie nach The Cure klingt. Er winkte aber sofort ab. Er war der Ansicht, dass Cheyenne Musik stärker berühren würde, die nicht nach seiner alten Band klingt. Es ginge mehr darum, dass er Musik hören sollte, die ihn so ergreift, dass er von ihr bewegt wird. 

... über den Song „This Must Be the Place“
Es war für mich ein richtiger Schock, dass Paolo diesen Song, den ich geschrieben hatte, als Titel für seinen Film auswählte: THIS MUST BE THE PLACE. Im Verlauf des Films wird wiederholt auf ihn Bezug genommen, einmal wird er live gespielt, ein paar Mal glaube ich ihn auch noch im Hintergrund gehört zu haben. Davon fühle ich mich sehr geschmeichelt. Für mich ist der Song das geradlinigste Liebeslied, zu dem ich in der Lage bin. Das Lied ist grundehrlich, aber es sagt nicht all dieselben Dinge, wie man sie schon eine Million Mal gehört hat. Das ist wohl der Grund, warum die Menschen davon berührt und bewegt werden. Er scheint wahrhaftiger als all die Songs, die ein wenig glatter und voll mit all diesen Klischees sind.

... über seinen Auftritt als David Byrne
Paolo fragte mich, ob ich in ein paar kleineren Szenen als ich selbst auftreten wollte. Ich stellte mir sofort die Frage: Wie macht man das? Ich sagte ihm, dass ich keinerlei Ambitionen hegte, ein Schauspieler zu sein. Und er antwortete unmissverständlich: „Nein. Ich will, dass du du selbst bist; ich will, dass du David Byrne spielst.“ Das fand ich noch verworrener. Aber dann dachte ich mir: Sean Penn wird so voll und ganz in seiner Figur aufgehen, dass ich einfach nur auf all die Dinge, die er sagt, reagieren müsste, wie ich es wohl im wahren Leben tun würde. Dann könnte das funktionieren. Wir geben ein ziemlich schräges Paar ab, dieser Cheyenne und ich. Aber es ist gar nicht mal so weit hergeholt, dass ich mich mit ihm anfreunden könnte.

... über Cheyenne und Sean Penn
Als Paolo mir die Geschichte beschrieb und ich das Drehbuch las, wurde mir bewusst, dass Sean Penn sich die komplette Zeit über in dieser Verkleidung als Robert Smith/Goth befinden würde. Es muss ihm gelingen, dass man mit dieser Figur empfindet – und nicht einfach nur Sean Penn in Goth-Makeup betrachtet. Man muss dahinter blicken können und ein Gefühl für die Person unter dem Lippenstift und der Frisur und all diesen anderen Dingen, die von ihm ablenken, entwickeln. Nach und nach findet man heraus, warum dieser Cheyenne all die Dinge macht, die er da macht. Man erfährt gleich am Anfang ein paar Gründe, andere entdeckt man aber erst, wenn sich die Handlung zu entwickeln beginnt. Erst dann wird einem bewusst, warum er sich so verhält und warum er sich von seiner Karriere als Musiker abgewendet hat. Man füllt diese Leerstellen unterwegs auf, sie werden beinahe nebenbei offenbart. Das fand ich sehr clever. Mir gefällt, dass das Publikum das Puzzle selbst zusammensetzen muss. 

„MIT NICHTS ZU VERGLEICHEN“
Ein Gespräch mit Eve Hewson

Wer ist Mary?
Mary ist ein 16-jähriges Goth-Mädchen, sie ist Cheyennes beste Freundin. Sie ist eine dunkle, alte Seele aus einer zerbrochenen Familie. Ihr Bruder ist abgehauen, ihre Mutter hat ihren Verstand verloren und ihre Tochter förmlich vergessen. Cheyennes nimmt sie auf und kümmert sich um sie. Sie sind Freunde, gemeinsam könnte man sie als einen Stamm bezeichnen. Sie ist sein größter Fan. Sie vertrauen einander private Dinge an. Er ist der eine Mensch, der alle ihre Geheimnisse kennt.

Vertraut er ihr an, was sein Ziel ist, als er Irland verlässt?
Mary findet nur heraus, dass sein Vater im Sterben liegt, als er aufbricht. Sie glaubt, dass er verschwindet und wieder zurückkehrt. Als er nach einer Weile immer noch nicht wieder da ist, hat sie das Gefühl, er habe sie im Stich gelassen – wie es zuvor schon ihr Bruder getan hat.

Wie haben Sie auf die Figur reagiert? Wie viel Arbeit mussten sie investieren, um sie zu finden?
Das Drehbuch war sehr detailfreudig und präzise. Die Figur zu erschaffen, war der einfache Teil. Es gab so viele Facetten, die allein schon auf den Seiten festgehalten waren. Aber Mary ist eine sehr düstere Figur, und sie hat ein paar ziemlich heftige Szenen. Mir war bewusst, dass ich viel Arbeit aufwenden musste, um unter ihre Haut zu schlüpfen, um zu verstehen, wo ihr Schmerz herkommt. Die Musik, die ich mir anhörte, half mir dabei. Ich hörte mir The Cure an und Talking Heads. Ihre Texte gaben mir die nötigen Einblicke, was Mary wirklich fühlt und was in ihrem Kopf vorgeht. 

Ich vermute, dass Sie im wahren Leben anders aussehen?
Meine Haare und die Extensions wurden gefärbt, ich bekam Ringe und zerrissene Strümpfe verpasst – obwohl ich zerrissene Strümpfe auch im Privatleben trage! Das Kostüm, die Haare und das Makeup halfen mir sehr dabei, die Figur zu finden. Ich fühle mich dunkler und abgenabelter, was offensichtlich auch ihre Absicht ist: Sie will eine Mauer errichten und sich abschotten. Ich hätte mich nicht wie Mary fühlen können, wenn ich meine eigenen Kleider getragen hätte. 

Wie empfanden Sie die Arbeit mit Paolo Sorrentino?
Ich habe mir IL DIVO angesehen. Der ist ziemlich heftig und intensiv. Alles ist absolut kontrolliert und präzise. Man hat den Eindruck, die Arbeit mit Paolo müsse ziemlich furchteinflößend sein. Aber es stellte sich heraus, dass er der sanfteste Mensch ist, den ich jemals getroffen habe. Alles ist ganz ruhig am Drehort. Er weiß genau, was er will. Und er lässt sich die Zeit, das auch zu bekommen. Es gibt keinen Ärger oder Spannungen. Er weiß, was er tut. Das ist eine ganz besondere Gabe. 

Und mit Sean Penn?
Während der Vorproduktion hatte ich ihn nie getroffen. Ich war ganz schön eingeschüchtert angesichts all der Filme, in denen er mitgespielt hat, und aufgrund seiner unglaublichen Intensität als Schauspieler. Ich hatte keine Vorstellung, wie sehr sich das auf sein wahres Lebens überträgt. Aber er war fantastisch und unglaublich freundlich. Es war großartig. Die Arbeit mit ihm war eine endlose und endlos erleuchtende Lehrstunde für mich.

Was können Sie über Frances McDormand und die Figur, die sie spielt, erzählen?
Frances spielt Jane, Cheyennes Ehefrau. Sie haben sich Mary angenommen, und Jane ist ein positiver weiblicher Einfluss in ihrem Leben. Sie ist von Marys Beziehung mit Cheyenne begeistert und unterstützt sie, wo sie nur kann. Sie passt auf ihre Weise ebenfalls auf Mary auf. Die Arbeitsweise von Sean und Frances ist grundverschieden. Es war also interessant anzusehen, wie sie in ihren gemeinsamen Szenen zurechtkamen. 
Sie waren vor allem beim Dreh in Dublin dabei. Was können Sie darüber erzählen?
Ich bin in Dublin groß geworden. Ich bin wegen der Schule nach New York gegangen und zog dann weiter nach Los Angeles. Jetzt bin ich wieder in meiner Heimatstadt und habe einen Film dort gedreht. Es war sehr beruhigend, genau zu wissen, wo man sich befindet, und nach dem Dreh einfach nach Hause gehen zu können. So konnte ich mich auch am Set wohlfühlen.

Konnten Sie schon vor dem Film Skateboard fahren?
Überhaupt nicht, ich war noch nie auf einem Brett gestanden. Ich habe beim Vorsprechtermin gelogen, als Paolo mich fragte, ob ich Skateboard fahren könne. Ich habe geantwortet: Klar, kein Problem. Das ist nicht im Entferntesten wahr. Also besorgten sie mir einen Trainer, der ein paar Wochen mit mir übte und mir ein paar Tricks beibrachte, bis ich mich wohl auf dem Brett fühlte. Am Anfang war es ein bisschen wacklig. Ich hatte immer einen Helm auf und sah aus wie eine Schildkröte im Central Park. Das war peinlich. Aber bald ging es immer besser und ich konnte die Knieschützer ablegen. Mittlerweile bin ich richtig gut. 

Wie würden Sie den Film beschreiben?
Ich glaube, er lässt sich in keine Schublade packen. Er ist ein Drama, aber er ist auch ziemlich lustig. Absolut einzigartig und mit nichts zu vergleichen. Man kann ihn nur schwer definieren. 

STOP MAKING SENSE
Die Einflüsse der Popkultur in den Achtzigerjahren auf THIS MUST BE THE PLACE

THIS MUST BE THE PLACE ist ein Film über die Jagd nach einem Kriegsverbrecher, dessen Spur sich im Hinterland in den USA verloren hat; ein Film über einen Mann, der die Hülle der Vergangenheit nicht abstreifen kann und gezwungen ist, im Damals zu verharren, während sich die Welt um ihn immer schneller dreht; ein Film über Söhne, die ihren Frieden mit ihren Vätern machen wollen, die sie nie gekannt haben. Und es ist ein Film über Rockmusiker und Rockmusik, über eine ganz bestimmte Ästhetik, die aus den Überresten des Punk erwuchs und die Popmusik in den Achtzigerjahren geprägt hat, um sich nach und nach auch auf das Kino zu übertragen.

Das lässt sich am deutlichsten an der Hauptfigur ablesen, die man auch als Paolo Sorrentinos personifizierte Liebeserklärung an die Musik seiner Jugend und ihre Künstler betrachten kann. Ein Blick auf Cheyenne reicht, und man findet alle nötigen Hinweise und Anspielungen: Rein äußerlich kann nur Robert Smith gemeint sein, der legendäre Sänger von The Cure. Die toupierten schwarzen Haare, das aschfahl geschminkte Gesicht, der Kajal, der Lippenstift – der Regisseur selbst erklärt, dass Smith die entscheidende Inspiration für die Figur des Cheyenne war: ein erwachsener Mann um die Fünfzig, der nur hinter der Maske, die er seit nunmehr 30 Jahren konsequent trägt, gealtert ist: Wie Cheyenne ist auch er heute noch ein Goth. Weil es das ist, was er ist. So wie The Cure auch heute noch zuverlässig sind, was sie immer schon waren. Eine Band, die 1976 in den Wirren der Aufbruchstimmung der ersten Punkwelle entstand, aber schon auf ihren frühesten Aufnahmen im Jahr 1978 erkennen ließ, dass es keine Vorbilder für sie gab: Nur sie selbst lieferten die Blaupause für ihren pessimistischen Postpunk. Der Rolling Stone verglich ihre Musik mit einem „Marathon an Angstzuständen“ und beschreibt damit auch ziemlich genau Cheyenne. Dessen hohe, kieksende und betont ausdruckslose Sprechstimme findet ihre Entsprechung im wehmütgien Klagegesang Smiths, aber ähnelt auch frappierend der Intonation von David Byrne, dem Sänger und Kopf der Talking Heads. 

Nicht von ungefähr wurde Byrne von Sorrentino ausgewählt, die Musik für THIS MUST BE THE PLACE zu schreiben. Der Filmtitel basiert auf einem Song der Talking Heads, den Byrne 1983 für das Album „Speaking in Tongues“ komponiert hatte und der auch heute noch zu den Klassikern der Band zählt: ein fast schon hoffnungsfrohes Stück für einen Mann, der die Phrase „Stop Making Sense“ wie ein Mantra wiederholte. Wie The Cure zählten die 1975 gegründeten Talking Heads zur Speerspitze der ersten Punkbewegung. Der musikalische Ansatz der New Yorker mag gänzlich anders sein als der der britischen Kollegen – ihre Musik war zunächst geprägt von nervösem minimalrhythmischem New Wave, eine verkopfte Variante des direkten Punkrock, die alsbald mit afrikanischen Polyrhythmen erweiter wurde zu einem modernen Weltmusik-Pop. Mit The Cure teilen die Talking Heads die miesepetrige Weltsicht: Sie spiegeln, so das „Pop Lexikon“, „eine kaputte Seelenwelt der Verklemmungen“ – was wiederum auch auf Cheyenne zutrifft: In einer bemerkenswerten Szene des Films besucht der gerade in New York gelandete Cheyenne ein Konzert der Talking Heads und trifft danach seinen alten Freund David Byrne: Es ist auffällig (und auch sehr komisch), wie sehr sich die Sprechstimmen der beiden Männer ähneln. 

Aber es finden sich noch weitere Verweise auf maßgebliche Rockkünstler der Achtzigerjahre: Der Name von Cheyennes Band, Cheyenne and the Fellows, leitet sich von Siouxsie and the Banshees ab, die 1976 in London im Dunstkreis der Sex Pistols gegründet wurden, aber bald schon dem Punk entsagten, um als eine der ersten Bands einem düsteren Wavesound zu fröhnen, der von tribalistischen Drums, sirrenden Gitarren und natürlich Siouxsies expressivem Bariton, als würde Nico höchstselbst aus der Schattenwelt rufen, beherrscht wurde. Das „Pop Lexikon“ machte „vokal und instrumental extreme voyeuristische Geisterbahnfahrten durch ein Horrorhaus der Mythen, Monster und Mutationen“ aus. Zu Beginn der Achtzigerjahre stieß zwischenzeitlich ausgerechnet Robert Smith von The Cure zur Band. Cheyennes Refugium in Dublin spielt auf die Heimatstadt von Bono, Sänger von U2, an - ein weiterer ehemaliger Punk, der mit seiner aus dieser Ursuppe entwickelten Musik in den 80’s Rockgeschichte schrieb. Und gewisse Ticks sowie Cheyennes ausgeprägte Geschlechtslosigkeit verweisen zudem auf Morrissey, dessen Band The Smiths heute als die bedeutendste britische Gruppe der Achtzigerjahre genannt wird. Der „All Music Guide“ weist Morrisseys poetischen Texten „romantische Lebensangst und soziale Entfremdung“ zu. 

Und schließlich fällt es schwer, in der gebeugten Körperhaltung und dem schlurfenden Gang Cheyennes nicht Ozzy Osbourne wiederzuerkennen. Zugegeben, er fällt aus der Rolle und will nicht so recht zu den anderen Vorbildern der Figur passen. Zu der Zeit, als die ihre entscheidende Hochphase erlebten, hatte Osbourne als Sänger von Black Sabbath, deren Frontmann er von 1969 bis 1978 war, bereits eine komplette Karriere hinter sich. Und natürlich war Ozzy nie Punk, sondern gilt als einer der Innovatoren des Heavy Metal. Tatsächlich erlebte er aber in den frühen Achtzigerjahren einen zweiten Frühling. 1980 war Osbourne nach Jahren der Drogen- und Alkoholabhängigkeit geheilt mit dem Album „Blizzard of Oz“ wie ein Phönix aus der Asche gestiegen und zu einer der Galeonsfiguren der New Wave of British Heavy Metal geworden. Angetrieben von seinem genialen Gitarristen Randy Rhoads war ihm das Comeback gelungen, bis ihn im März 1982 ein Schicksalsschlag nachhaltig wieder aus der Bahn warf. Es sollte eigentlich ein alberner Streich sein. Bei einem morgendlichen Zwischenstopp stieg Randy Rhoads trotz seiner Flugangst in eine einmotorige Propellermaschine, die mehrere Male im Tiefflug über den Tourbus, in dem auch Osbourne schlief, hinweg flog, bis eine Tragfläche das Dach streifte und das Flugzeug abstürzte. Roads und die beiden anderen Insassen waren sofort tot. Osbourne erholte sich nie wieder richtig von diesem traumatischen Erlebnis – eine ähnliche Tragödie ist es, die Cheyenne aus dem Rampenlicht fliehen lässt. 

Von den musikalischen Einflüssen ist es kein weiter Weg zu den filmischen Referenzen. So wie es die Postpunk-beeinflusste Musik der frühen bis Mittachtziger ist, die Paolo Sorrentinos Kreativität beflügelt, lässt sich auch das Independentkino dieser Ära als Inspiration entdecken. Es ist kein Zufall, dass der italienische Regisseur für seinen ersten in den USA entstandenen Film die Form des Roadmovies wählt: Mit Variationen des Roadmovies hatten Jim Jarmusch, Gus Van Sant und Allison Anders das unabhängige amerikanische Kino, wie man es heute kennt, begründet: Ihre frühen Filme STRANGER THAN PARADISE („Stranger Than Paradise“, 1983), MALA NOCHE („Mala Noche“, 1986) oder BORDER RADIO (1987) hatten es sich zur Aufgabe gemacht, fernab der Künstlichkeit Hollywoods das Land neu zu vermessen, und drückten eine Sehnsucht nach Aufbruch ebenso aus wie eine gewisse Verzweiflung, das das Ziel nie so gut wie der Weg sein kann. Mit der Besetzung von Harry Dean Stanton in einer entscheidenden Nebenrolle verneigt sich Sorrentino zusätzlich vor zwei weiteren offenkundigen Vorbildern, Wim Wenders’ Goldene-Palme-Gewinner PARIS, TEXAS („Paris, Texas“, 1984), in dem Stanton die Hauptrolle gespielt hatte, und David Lynchs altersmilder Roadtrip THE STRAIGHT STORY („Straight Story – Eine wahre Geschichte“, 1999), in dem Stanton am Ende der Reise von Richard Farnsworth einfach dasitzt und wartet. Es sind skurrile Fahrten durch ein Land, das so groß und unendlich erscheint, als wäre es von der Zeit vergessen worden. Von einer texanischen Gemeinde in diesem unendlichen Land erzählt auch das Regiedebüt von Talking-Heads-Sänger David Byrne, TRUE STORIES („True Stories“, 1986), womit sich der Kreis schließt. Es sollte aber noch angemerkt werden, dass die satte Farbpalette von THIS MUST BE THE PLACE in besonderem Maße Jonathan Demmes kultisch verehrtem Roadmovie SOMETHING WILD („Gefährliche Freundin“, 1986) mit Melanie Griffith, Jeff Daniels und Ray Liotta geschuldet ist. Demme war auch Regisseur von STOP MAKING SENSE („Stop Making Sense“, 1984), dem legendären Konzertfilm über die Talking Heads. This must be the place. In der Tat. 

BESETZUNGSLISTE

Cheyenne	SEAN PENN
Jane	FRANCES McDORMAND
Mordecai Midler	JUDD HIRSCH
Mary	EVE HEWSON
Rachel	KERRY CONDON
Robert Plath	HARRY DEAN STANTON
Dorothy Shore	JOYCE VAN PATTEN
David Byrne	DAVID BYRNE
Marys Mutter	OLWEN FOUÉRÉ
Ernie Ray	SHEA WHIGHAM
Richard	LIRON LEVO
Aloise Lange	HEINZ LIEVEN
Jeffrey	SIMON DELANEY

STABLISTE

Regie	PAOLO SORRENTINO
Drehbuch	PAOLO SORRENTINO
	UMBERTO CONTARELLO
Idee	PAOLO SORRENTINO
Produktion	NICOLA GIULIANO
	FRANCESCA CIMA
	ANDREA OCCHIPINTI
	MEDUSA FILM
Koproduktion	MICHELE & LAURENT PETIN
	ED GUINEY und ANDREW LOWE
Kamera	LUCA BIGAZZI
Szenenbild	STEFANIA CELLA
Schnitt	CRISTIANO TRAVAGLIOLI
Musik	DAVID BYRNE
Texte	WILL OLDHAM
Kostüm	KAREN PATCH
Tondesign	SRDJAN KURPJEL
Art Director	IRENE O’BRIEN
Erster Regieassistent	DAVIDE BERTONI
Besetzung	LAURA ROSENTHAL
	MAUREEN HUGHES
Haare	KIM SANTANTONIO
Makeup	LUISA ABEL

DIE SCHAUSPIELER

SEAN PENN
Cheyenne
Sean Penn ist ein zweifacher Oscar®-Preisträger, der in seiner beinahe 30-jährigen Karriere zu einer Ikone des amerikanischen Kinos geworden ist. Fünf Mal wurde er für einen Oscar® als Bester Schauspieler vorgeschlagen. Nominiert war er für DEAD MAN WALKING („Dead Man Walking – Sein letzter Gang“, 1995), SWEET AND LOWDOWN („Sweet and Lowdown“, 1999) und I AM SAM („Ich bin Sam“, 2001). Erstmals gewann er ihn schließlich 2003 für seine sensationelle Performance in Clint Eastwoods MYSTIC RIVER („Mystic River“, 2003) und erneut sechs Jahre später für seine Leistung in Gus Van Sants MILK („Milk“, 2008). Sein Porträt der Schwulenikone Harvey Milk bescherte ihm überdies Preise von der Screen Actors Guild, dem New York Film Critics Circle und der Los Angeles Film Critics Association.

Das Festival de Cannes ehrte ihn als besten Schauspieler in SHE’S SO LOVELY („Alles aus Liebe“, 1997) und die Berlinale für DEAD MAN WALKING. Beim Filmfestival in Venedig wurde er bereits zwei Mal als bester Schauspieler ausgezeichnet, für HURLYBURLY („Hurlyburly“, 1998) und 21 GRAMS („21 Gramm“, 2003).

Das Kinopublikum sah ihn zuletzt in Terrence Malicks Ausnahmefilm THE TREE OF LIFE („The Tree of Life“, 2011), der in Cannes mit der Goldenen Palme ausgezeichnet wurde. Im Jahr davor war er in Cannes in der Hauptrolle in Doug Limans Thriller FAIR GAME („Fair Game“, 2010) mit Naomi Watts zu sehen gewesen.

Sein Regiedebüt gab Penn 1991 mit THE INDIAN RUNNER („Indian Runner“, 1991), dessen Drehbuch und Produktion ebenfalls in seinen Händen lagen. Es folgte 1995 THE CROSSING GUARD – ES GESCHAH AUF OFFENER STRASSE („Crossing Guard – Es geschah auf offener Straße, 1995). Auch hier stand er als Drehbuchautor und Produzent zusätzlich in den Credits. Sein dritter Film als Regisseur und Produzent entstand 2001, THE PLEDGE („Das Versprechen“, 2001), wie der Film davor wieder mit Jack Nicholson in der Hauptrolle. Das National Board of Review listete ihn unter die zehn besten Filme des Jahres 2001. Ferner schrieb und inszenierte Penn den amerikanischen Beitrag des Kompilationsfilms 11’09’’01 – SEPTEMBER 11 („11’09“2001 – SEPTEMBER 11“, 2002). Für dieses wichtige Projekt entwickelten elf angesehene Regisseure aus der ganzen Welt Kurzfilme als Antwort auf die schrecklichen Ereignisse des 11. September 2001. 2003 wurde der Film für einen César in der Kategorie bester Film der europäischen Union nominiert und erhielt einen Spezialpreis des National Board of Review.

Mit INTO THE WILD („Into the Wild“ 2007) präsentierte Penn seinen vierten Film als Autor, Produzent und Regisseur und erntete damit überschwängliche Kritiken. Der Film, der auf Jon Krakauers Bestseller basiert, feierte auf den Filmfestivals in Telluride und Toronto Premiere und wurde von vielen Magazinen unter die zehn besten Filmen des Jahres gewählt. Penn wurde hierfür 2007 auf dem Palm Springs International Film Festival als Director of the Year gekürt. 

Stationen seiner Theaterarbeit waren Alfred Hayes’ „Girl on the Via Flaminia“ und Albert Innauratos „Earthworms in Los Angeles“. Am Broadway spielte Penn in Kevin Heelans „Heartland“ und in John Byrnes „Slab Boys“. Ferner trat er in David Rabes „Hurlyburly“ am Westwood Playhouse und in „Goose and Tom Tom“ am Linclon Center auf. Beide Stücke wurden von den Autoren inszeniert. Unlängst stand er mit Nick Nolte und Woody Harrelson in „The Late Henry Moss“ auf der Bühne, das Pulitzer-Preisträger Sam Shepard schrieb und inszenierte.

2002 ehrte ihn das Santa Barbara International Film Festival mit dem Modern Master Award. Ein Jahr später erhielt er als jüngster Kandidat den Donostia Lifetime Achievement Award des San Sebastian Film Festival. 2004 wurde ihm der John Steinbeck Award für seine Verdiente um die kreativen Künste verliehen. 2008 durfte er außerdem den Desert Palm Achievement Award for Acting mit nach Hause nehmen. Ebenfalls 2008 wurde er zum Juryvorsitzenden des Festival de Cannes gewählt und wurde später zum Ritter der französischen Ehrenlegion geschlagen.
Als Journalist schrieb Penn für das Time Magazine, Interview, den Rolling Stone und The Nation. 2004 erschien ein zweiseitiger Artikel im The San Francisco Chronicle über seinen zweiten Besuch im vom Krieg gezeichneten Irak. Ein fünfseitiges Feature schrieb er für dieselbe Zeitung 2005 über seine Iran-Reise während der Wahlperiode, die zu Mahmoud Ahmadinedschads Regierung führte. Seine bahnbrechenden Interviews mit Venezuelas Präsident Hugo Chavez und Kubas Raul Castro wurden in The Nation und in The Huffington Post veröffentlicht. Sein Interview mit Castro war das erste Interview, das Kubas Anführer mit einem internationalen Journalisten führte.

Seine humanitäre Arbeit führte Penn unmittelbar nach dem verheerenden Hurrikan Katrina nach New Orleans und unlängst auch auf das von einem Erdbeben zerstörte Haiti. Im Januar 2010 gründete Penn die J/P Haitian Relief Organization, die ihren Fokus auf ärztliche Hilfe, Schutz und Wiederaufbau legt. Seine Organisation baute die erste Notfallstation des Landes auf.

Für sein Bemühen erhielt er den Commander’s Award for Service (U.S. Army 82nd Airborne Division), den 82nd Airborne Award for Meritorious Service, das Operation Unified Response JTF Haiti Certificate von Lieutenant General U.S. Army Commander P.K. Keen, die 1st Recon 73rd Division Coin of Excellence, die 2nd Brigade Combat Team Coin of Excellence, die Commendation of Excellence der U.S. Southern Command sowie den Award of Excellence from the Deputy Commander der U.S. Southern Command. Anfang des Jahres 2010verliehen ihm der Botschafter von Haiti, Raymond A. Joseph, und dessen Frau Lola Poisson-Joseph den Children and Families Global Development Fund Humanitarian Award. Im Juli 2010 wurde Penn vom haitischen Präsident Rene Preval bei einer Zeremonie in Port-Au-Prince zum Ritter geschlagen. Das Hollywood Film Festival ehrte ihn 2010 mit dem Hollywood Humanitarian Award. 2011 erhielt er von der Producers Guild of America den Stanley Kramer Award. 

SEAN PENN	Filmographie (Auswahl)
	Regie

1982	ICH GLAUB’, ICH STEH’ IM WALD	Amy Heckerling
	DIE KADETTEN VON BUNKER HILL	Harold Becker
1983	BAD BOYS	Rick Rosenthal
		
1984	CRACKERS  	   Louis Malle
	DIE ZEIT  VERGEHT, DIE NAVY NICHT	Richard Benjamin
1985	DER FALKE UND DER SCHNEEMANN	John Schlesinger
1986	AUF KURZE DISTANZ	Arthur Penn
	SHANGHAI SUPRISE	Jim Goddard
1988	COLORS – FARBEN DER GEWALT	Dennis Hopper
	EIN RICHTER FÜR BERLIN	Leo Penn
1989	WIR SIND KEINE ENGEL	Neil Jordan
	DIE VERDAMMTEN DES KRIEGES	Brian De Palma
1990	IM VORHOF DER HÖLLE	Phil Joanou
1993	CARLITO’S WAY 	Brian De Palma
1995	DEAD MAN WALKING	Tim Robbins
1997	ALLES AUS LIEBE	Nick Cassavetes
	THE GAME	David Fincher
	U-TURN – KEIN WEG ZURÜCK	Oliver Stone
1998	HURLYBURLY	Anthony Drazan
	DER SCHMALE GRAT	Terrence Malick
1999	SWEET AND LOWDOWN	Woody Allen
2000	DIE VILLA	Philip Haas
	DAS GEWICHT DES WASSERS	Kathryn Bigelow
	BEVOR ES NACHT WIRD	Julian Schnabel
2001	ICH BIN SAM	Jessie Nelson
2003	MYSTIC RIVER	Clint Eastwood
	21 GRAMM	Alejandro Gonzalez Inarritu
2004	ATTENTAT AUF RICHARD NIXON	Niels Müller 
2005	DIE DOLMETSCHERIN	Sydney Pollack
2006	DAS SPIEL DER MACHT	Steven Zaillian
2007	INSIDE HOLLYWOOD	Barry Levinson
2008	MILK	Gus Van Sant
2010	FAIR GAME	Doug Liman
2011	THE TREE OF LIFE	Terrence Malick
	CHEYENNE - THIS MUST BE THE PLACE	Paolo Sorrentino

FRANCES McDORMAND
Jane
Frances McDormand zählt zu den vielseitigsten Schauspielerinnen Amerikas. Unvergessen ist ihr mit dem Oscar® als „Beste Darstellerin“ prämiertes Porträt der Provinzpolizeichefin Marge Gunderson in FARGO („Fargo“, 1996), einem der größten Erfolge der Coen-Brüder. Mit den Coen-Brüdern, mit denen sie nicht nur beruflich verbunden ist, drehte McDormand neben FARGO vier weitere Filme: zunächst ihr Filmdebüt, den Thriller Blood Simple („Blood Simple – Eine mörderische Nacht“, 1984), gefolgt von Raising Arizona („Arizona Junior“, 1987), The Man Who Wasn’t There („The Man Who Wasn’t There“, 2001) und zuletzt auch Burn After Reading („Burn After Reading – Wer verbrennt sich hier die Finger?“, 2008), in dem sie neben George Clooney, Brad Pitt und John Malkovich die Hauptrolle spielte.

Zuletzt sah man sie in einer der Hauptrollen des Blockbusters TRANSFORMERS: DARK OF THE MOON („Transformers 3“, 2011) von Michael Bay, einer der großen Blockbuster des aktuellen Kinojahres. Als nächstes wird man die Schauspielerin an der Seite von Bill Murray als Elternpaar in Wes Andersons neuem Film Moonrise Kingdom (2011) erleben können.

Für viele ihrer Darstellungen erhielt die Frances McDormand, die in Bharat Nalluris Komödie Miss Pettigrew Lives For a Day („Miss Pettigrews großer Tag“, 2008) die Titelrolle verkörperte, Auszeichnungen und Ehrungen. Neben dem Oscar® für „Fargo“ sind dies ein Independent Spirit Award als „Beste Nebendarstellerin“ für Nicole Holofceners Beziehungsdramödie FRIENDS WITH MONEY („Freunde mit Geld“, 2006), des Weiteren Nominierungen als „Beste Nebendarstellerin“ für den Oscar®, den Golden Globe® und den Screen Actors Guild Award für Niki Caros Drama North Country („Kaltes Land“, 2005) sowie Nominierungen als „Beste Nebendarstellerin“ für den Oscar®, den Golden Globe®, den Award der British Academy of Film and Television Arts (BAFTA) und mehrere Preise nationaler Kritikervereinigungen für ihre Rolle in Cameron Crowes nostalgischer Komödie Almost Famous („Almost Famous – Fast berühmt“, 2000), in der sie die besorgte Mutter des jungen Nachwuchsjournalisten spielte. Bereits vier Jahre nach ihrem Filmdebüt wurde McDormand erstmals für den Oscar® vorgeschlagen – als „Beste Nebendarstellerin“ in Alan Parkers Bürgerrechtsdrama MISSISSIPPI BURNING („Mississippi Burning – Die Wurzeln des Hasses“, 1988), in dem sie die unterdrückte Ehefrau eines Rassisten spielte. Hochgelobt wurde sie außerdem für ihre Darstellungen in Lisa Cholodenkos Komödie LAUREL CANYON („Laurel Canyon“, 2002), in der sie Christian Bales unkonventionelle Mutter verkörperte, und in Nancy Meyers’ Komödienhit Something’s Gotta Give („Was das Herz begehrt“, 2003).

Zu ihren weiteren wichtigen Filmen zählen Curtis Hansons Drama Wonder Boys („Die Wonder Boys“, 2000), Michael Caton Jones’ Drama CITY BY THE SEA („City By the Sea“, 2002), Daisy von Scherler Mayers Jugendbuch-Adaption MADELINE („Madeline“, 1998), Gregory Hoblits Thriller Primal Fear („Zwielicht“, 1996), John Sayles’ Drama LONE STAR („Lone Star“, 1996), Alan Taylors Gaunerkomödie PALOOKAVILLE („Kleine Gangster, große Kohle“, 1995), Mick Jacksons mit Gary Oldman besetztes Drama CHATTAHOOCHEE („Chattahoochee“, 1989), Sam Raimis Comicverfilmung DARKMAN („Darkman“, 1990) mit Liam Neeson in der Titelrolle, Ken Loachs Drama HIDDEN AGENDA („Geheimprotokoll“, 1990), Robert Altmans Schicksalsmosaik Short Cuts („Short Cuts“, 1993), das in der Kategorie „Bestes Ensemble“ bei den Filmfestspielen von Venedig eine Coppa Volpi und Anfang des folgenden Jahres auch einen Golden Globe® erhielt, John Boormans Politdrama Beyond Rangoon („Rangoon“, 1995) sowie Bruce Beresfords Kriegsdrama PARADISE ROAD („Paradise Road“, 1997).

Auf dem Bildschirm war die Schauspielerin nur selten zu sehen. Sie wirkte mit in Tommy Lee Jones’ TV-Drama „The Good Old Boys“ („Einmal Cowboy, immer ein Cowboy“), in Kathy Bates’ Regiedebüt „Talking With ...“, in Martha Coolidges romantischer Komödie „Crazy in Love“ („Verrückt vor Liebe“) und an der Seite von Jeff Bridges schließlich auch in dem TV-Drama „Hidden in America“ („Zwischen den Welten“), für das sie in der Kategorie „Outstanding Supporting Actress in a Miniseries or a Special“ für den Emmy® vorgeschlagen wurde.

Darüber hinaus stand die Absolventin der renommierten Yale School of Drama auch vielfach auf der Bühne. So spielte Frances McDormand unter anderem in Mike Nichols’ Inszenierung von Cary Churchills Drama „The Country Girl“, in Stephen Daldrys Inszenierung von „Far Away“ am New York Theatre Workshop, außerdem die Stella in Tennessee Williams’ Klassiker „A Streetcar Named Desire“ („Endstation Sehnsucht“) – eine Darstellung, für die sie eine Tony®-Nominierung erhielt, schließlich auch in Wendy Wassersteins Drama „The Sisters Rosenzweig“ am Lincoln Center sowie in „The Swan“ am Public Theatre. Am Gate Theater in Dublin war sie erneut in einer Aufführung von „Endstation Sehnsucht“ zu sehen, dieses Mal in der Rolle der Blanche, des Weiteren stand sie mit Billy Crudup auf der Bühne in Dare Clubbs Drama „Oedipus“, das in New York mit der Blue Light Theater Company zur Aufführung kam, und trat mit der Wooster Group in James Strahs Satire „North Atlantic“ auf. Darüber hinaus leitete sie auch über zwei Jahre lang mehrwöchige  Workshops der berühmten Theatertruppe und gehörte auch zum Ensemble der Wooster-Group-Inszenierung von „To You, The Birdie!“.

FRANCES McDORMAND	Filmographie (Auswahl)
	Regie
1984	BLOOD SIMPLE	Joel Coen
1985	DIE KILLER-AKADEMIE	Sam Raimi
1987	ARIZONA JUNIOR	Joel Coen
1988	MISSISSIPPI BURNING	Alan Parker
1989	CHATTAHOOCHEE	Mick Jackson
1990	GEHEIMPROTOKOLL – HIDDEN AGENDA	Ken Loach
	DARKMAN	Sam Raimi
1991	DER MANN IHRER TRÄUME	Terry Hughes
1992	EIN VERRÜCKTER LEICHENSCHMAUS	Charlie Peters
1993	SHORT CUTS	Robert Altman
1995	RANGOON	John Boorman
	KLEINE GANGSTER, GROSSE KOHLE	Alan Taylor
1996	LONE STAR	John Sayles
	FARGO – BLUTIGER SCHNEE	Joel und Ethan Coen
	ZWIELICHT	Gregory Hoblit
1997	PARADISE ROAD	Bruce Beresford
1998	MADELINE	Daisy von Scherler Mayer
	TALK OF ANGELS	Nick Hamm
2000	DIE WONDERBOYS	Curtis Hanson
	ALMOST FAMOUS – FAST BERÜHMT	Cameron Crowe
2001	THE MAN WHO WASN’T THERE	Joel und Ethan Coen
2002	CITY BY THE SEA	Michael Caton Jones
	LAUREL CANYON	Lisa Cholodenko
2003	WAS DAS HERZ BEGEHRT	Nancy Myers
2005	KALTES LAND	Niki Caro
	AEON FLUX	Karyn Kusama
2006	FREUNDE MIT GELD	Nicole Holofcener
2008	MISS PETTIGREWS GROSSER TAG	Bharat Nalluri
	BURN AFTER READING	Joel und Ethan Coen
2011	TRANSFORMERS 3	Michael Bay
	CHEYENNE - THIS MUST BE THE PLACE	Paolo Sorrentino
In Vorbereitung:
	MOONRISE KINGDOM	Wes Anderson

JUDD HIRSCH
Mordecai Miller
Der in der Bronx geborene Schauspieler JUDD HIRSCH besuchte die CCNY, wo er seine Abschlüsse in Ingenieurswesen und Physik machte. Zu dieser Zeit erwachte seine Begeisterung für das Theater und er fasste den Entschluss, dass seine Zukunft in der Schauspielerei lag. Er schrieb sich an der AADA ein und arbeitete mit der Colorado Stock Company, bevor er 1966 mit „Barefoot in the Park“ sein Broadway-Debüt gab. Er verbrachte viele Jahre mit dem New Yorker Circle Reprtory, wo er bei der ersten Produktion von Lanford Wilsons „The Hot L Baltimore“ zu sehen war.
Nach einem vielversprechenden TV-Debüt mit „The Law“ im Jahr 1974 landete Hirsch seine erste Hauptrolle als Titelfigur in der Krimiserie „Delvecchio“, die von 1976 bis 1977 lief. Danach war er von 1978 bis 1982 in der sensationell erfolgreichen Ensemble-Sitcom „Taxi“ zu sehen, die ihm zwei Emmys einbrachte. In der Zeit bei „Taxi“ fand Hirsch dennoch Zeit, im Off-Broadway-Theater aufzutreten. 1979 fand er für seine Leistung in „Talley’s Folly“ einen Obie Award, In der folgenden Dekade gewann er für die Broadway-Shows „I’m Not Rappaport“ und „Conversations With My Father“ jeweils einen Tony Award. 
Nach „Taxi“ spielte Judd Hirsch weitere Hauptrollen im Fernsehen: „Detective in the House“, „Dear John“, wofür er einen Golden Globe gewann, und fünf Staffeln der Serie „Numb3rs“, in der er den Vater der von Rob Morrow und David Krumholtz dargestellten Figuren spielte. 
Eine Oscar®-Nominierung sicherte er sich für seine ikonische Darstellung als Tim Huttons Psychiater in dem Oscar®-Gewinner ORDINARY PEOPLE („Eine ganz normale Familie“, 1980). Er spielte Russell Crowes Mathemtik-Mentor in A BEAUTIFUL MIND („A Beautiful Mind – Genie und Wahnsinn“, 2001) und Jeff Goldblums Vater in Roland Emmerichs Blockbuster INDEPENDENCE DAY („Independence Day“, 1996). Als nächstes wird man Hirsch in der Actionkomödie TOWER HEIST („Tower Heist“, 2011) an der Seite von Ben Stiller, Eddie Murphy und Alan Alda sehen können.

EVE HEWSON
Mary
EVE HEWSON wurde in Dublin geboren, lebt aber mittlerweile in New York, wo sie an der NYU studiert. THIS MUST BE THE PLACE ist ihre zweite Filmarbeit. Davor war sie in Erica Duntons gelobten Independenterfolg THE 27 CLUB (2008) zu sehen gewesen, der beim Tribeca Film Festival sein Debüt gefeiert hatte. 2010 hatte Hewson eine Rolle als Della in dem 16-minütigen Kurzfilm „For the First Time“, der von einem irischen Pärchen erzählt, das es in New York schaffen will. In einer gekürzten Version war der Film als Videoclip der irischen Band The Script zu sehen.

KERRY CONDON
Rachel
KERRY CONDON gab ihr Debüt in dem Oscar®-nominierten ANGELA’S ASHES („Die Asche meiner Mutter“, 1999). Unlängst wurde sie von der Kritik für ihre Leistung in THE LAST STATION („Ein russischer Sommer“, 2009) mit Christopher Plummer und Helen Mirren gelobt, der 2010 für zwei Academy Awards nominiert wurde. 
In diesem Jahr war Kerry Condon bereits in dem irischen Film THE RUNWAY (2011) vertreten, der beim Galway Film Fleadh als beste irische Produktion ausgezeichnet wurde. Der von Ian Power geschriebene Film erzählt die wahre Geschichte eines südamerikanischen Piloten, der sein Flugzeug im Jahr 1983 in einem Feld in Mallow, County Cork landete. Condons weitere Filmarbeiten umfassen UNLEASHED („“, 2005), NED KELLY („Ned Kelly“, 2003), in dem sie die Kate Kelly darstellte, und INTERMISSION („Intermission“, 2003). 
Im Alter von 19 Jahren spielte sie die Mairead in Martin McDonaghs „The Lieutenant of Inishmore“, mit dem sie bei der Royal Shakespeare Company und der Atlantic Theatre Company in New York auftrat. Für diese Produktion nahm sie den Song „The Patriot Game“ mit den Pogues auf. Im selben Jahr spielte sie die Ophelia in „Hamlet“ – als jüngste Schauspielerin, die diese Rolle jemals bei der Royal Shakespeare Company verkörperte. 2009 trat sie in einem weiteren Stück von Martin McDonagh auf, „The Cripple of Inishmaan“, das ihren einen Lucille Lortel und einen Drama Desk Award einbrachte. 
Im Fernsehen wird man Kerry Condon als nächstes neben Dustin Hoffman und Nick Nolte in der mit Spannung erwarteten HBO-Serie „Luck“ sehen, die von Michael Mann inszeniert wird. Der Startschuss für die Serie wird noch in diesem Jahr fallen. Für HBO spielte sie außerdem die Octavia in der Serie „Rome“.

HARRY DEAN STANTON
Robert Plath
HARRY DEAN STANTON ist eine Schauspiellegende, der seine Karriere in den Fünfzigerjahren begann und bis in die Gegenwart in zahlreichen Filmklassikern zu sehen war. Zuletzt hörte man seine Stimme in Gore Verbinskis Animationsfilm RANGO („Rango“, 2011) mit Johnny Depp.
Er wurde in Kentucky geboren, diente im Zweiten Weltkrieg, bevor er an der University of Kentucky sein Debüt als Schauspieler in „Pygmalion“ gab. Er erlernte sein Handwerk am angesehenen Pasadena Playhouse und hatte seine erste Filmrolle schließlich im Jahr 1957 in TOMAHAWK TRAIL („Alarm in Fort Bowie“, 1957). Es folgte in den kommenden Jahren eine Reihe kleinerer Auftritte im Fernsehen und in Filmen. Dazu zählen Serien wie „Rawhide“ und „Bonanza“ und Filme wie THE ADVENTURES OF HUCKLEBERRY FILM („Abenteuer am Mississippi“, 1960), der von Michael Curtiz inszeniert wurde. 
1967 wurde Harry Dean Stanton an der Seite von Paul Newman in COOL HAND LUKE („Der Unerbittliche“, 1967) besetzt. Danach folgten unter anderem Filmklassiker wie KELLY’S HEROES („Ein Stoßtrupp“, 1968), DILLINGER („Dillinger“, 1973) und THE GODFATHER: PART II („Der Pate II“, 1974). Einen legendären Auftritt hatte er als der zum Tode verdammte Brett in ALIEN („Alien – Das unheimliche Wesen aus einer fremden Welt“, 1979) von Ridley Scott. In einem weiteren Genreklassiker, ESCAPE FROM NEW YORK („Die Klapperschlange“, 1981) von John Carpenter, spielte er einen ausgekochten Wissenschaftler. Wim Wenders gab Stanton die Hauptrolle in PARIS, TEXAS („Paris, Texas“, 1984), und Alex Cox holte das Beste aus ihm heraus an der Seite von Emilio Estevez in dem Kultklassiker REPO MAN („Repo Man“, 1983). John Hughes besetzte Stanton gegen seinen Typen als Vorstadtvater in PRETTY IN PINK („Pretty in Pink“, 1986). Und in WILD AT HEART („Wild at Heart – Die Geschichte von Sailor und Lula“, 1990) hatte Stanton einen unvergesslichen Auftritt als bedauernswerter Privatdetektiv. Lynch besetzt Stanton danach außerdem in TWIN PEAKS: FIRE WALK WITH ME („Twin Peaks – Der Film“, 1992) und THE STRAIGHT STORY („Eine wahre Geschichte – The Straight Story“, 1999).
Auch in jüngerer Zeit hat Harry Dean Stanton immer wieder starke Arbeit in herausragenden Filmen abgeliefert wie in FEAR AND LOATHING IN LAS VEGAS („Fear and Loathing in Las Vegas“, 1998) von Terry Gilliam, THE GREEN MILE („The Green Mile“, 1999) von Frank Darabont, THE PLEDGE („Das Versprechen“, 2001) von Sean Penn sowie THE WENDELL BAKER STORY („The Wendell Baker Story“, 2005) von Andrew und Luke Wilson. Seine jüngsten Filmauftritte hatte er in ALPHA DOG („Alpha Dog“, 2004) von Nick Cassavetes, YOU, ME & DUPREE („Ich, du und der Andere“, 2006) und DIRT (2007) von Matthew Carnahan.
Über vier Staffeln hinweg spielte Stanton in der HBO-Serie „Big Love“ den polygamen Patriarchen Roman Grant. Überdies ist er ein Musiker und spielt in der eklektischen Harry Dean Stanton Band.

JOYCE VAN PATTEN
Dorothy Shore
Zu ihren jüngsten Arbeiten zählen GROWN UPS („Kindsköpfe“, 2010) und PEACE, LOVE & MISUNDERSTANDING (2011). In der Vergangenheit war sie in MARLEY AND ME („Marley und ich“, 2008), THE BAD NEWS BEARS („Die Bären sind los“, 1976), ST. ELMO’S FIRE („St. Elmo’s Fire – Die Leidenschaft brennt tief“, 1985), MONKEY SHINES („Der Affe im Menschen“, 1988), MAME (1974) und I LOVE YOU, ALICE B TOKLAS! („Lass mich küssen deinen Schmetterling!“, 1968) zu sehen.
Ihre breit gestreuten Fernseharbeiten reichen von „Love American Style“ bis hin zu „The Sopranos“. Ihre Karriere am Broadway begann im Alter von sieben Jahren. Sie spielte in vielen Broadway-Produktionen von Neil Simon mit wie in „I Ought to Be in Pictures“, „Brighton Beach Memoirs“, Jake’s Women“ und „Rumors“.

DAVID BYRNE
David Byrne
DAVID BYRNE ist die treibende Kraft hinter den Talking Heads und Gründer der ausgesprochen angesehenen Plattenfirma Luaka Bop. Zudem arbeitet Byrne auch als Fotograf, Regisseur, Autor und Solokünstler und stellt seine Arbeiten seit über zehn Jahren regelmäßig aus. Unlängst beherbergte das Battery Maritime Building in New York und das Roundhouse in London seine interaktive Sound-Installation „Playing the Building“. Ebenfalls zu seinen neuen Werken zählt „Everything That Happens Will Happen Today“, seine erste Zusammenarbeit mit Koautor Brian Eno seit „My Life in the Bush of Ghosts“ von 1981, und „Big Love: Hymnal“, die Musik der zweiten Staffel von HBOs Serie „Big Love“. Außerdem installierte er in Zusammenarbeit mit dem New York City Department of Transportation überall in der ganzen Stadt einzigartige Fahrradständer und brachte mit „Bicycle Diaries“ eine Chronik über seine Fahrradtouren heraus, die bei Viking Press als Audiobuch mit Erzählungen und Musik von ihm erschienen ist. Ferner komponierte er den Soundtrack von WALL STREET: MONEY NEVER SLEEPS („Wall Street – Geld schläft nicht“, 2010), „Here Lies Love“, ein Zyklus mit 22 Liedern über das Leben von Imelda Marcos in Zusammenarbeit mit Fatboy Slim sowie – gemeinsam mit Will Oldham – den Soundtrack zu THIS MUST BE THE PLACE.

OLWEN FOUÉRÉ
Marys Mutter
OLWEN FOUÉRÉ ist besonders für ihre umfangreiche Arbeit in der irischen Theaterszene bekannt. Allerdings erstreckt sich ihre Arbeit auch auf England, Frankreich und aufs internationale Parkett. Zu ihren jüngsten Theaterprojekten zählt ihre Ein-Frau-Show in „Sodome, My Love“, das sie selbst nach dem Stück „Sodome, Ma Douce“ von Laurent Gaudé für die Bühne bearbeitet hat und das in Dublin von Rough Magic und TheEmergencyRoom inszeniert wurde. Ihre Darstellung brachte ihr bei den Irish Times Theatre Awards 2011 den Preis als beste Schauspielerin ein. Derzeit befindet sie sich mit der Abbey-Theatre-Produktion „Terminus“ von Mark O’Rowe auf Welttournee. Zu ihren anderen neueren Arbeiten zählen die französischen Bühnenadaptionen zweier Bücher von Roddy Doyle: zum einen „Paula Spencer, la femme qui se cognait dans les portes“, das Michel Abécassis auf verschiedenen französischen Bühnen inszenierte, einschließlich für das Bouffes du Nord in Paris, zum anderen „The Bull“; sowie „The Rite of Spring“ mit Fabulous Beast (am Barbican Theatre und der English National Opera). Fouéré war von 1980 bis 2008 künstlerische Leiterin von Irlands führender Avantgarde-Theatertruppe, dem Operating Theatre. 2005 inszenierte Dara McCluskey für die Arts Lives-Serie von RTE einen Dokumentarfilm über ein Jahr im Leben von Olwen Fouéré mit dem Titel „Theatre in the Flesh“. Fouéré wurde mehrfach mit Preisen ausgezeichnet und für zahlreiche nominiert, wie als Beste Schauspielerin bei den Irish Times/ESB (2006, 2000, 1999), dem Dublin Theatre Festival (beste Schauspielerin 2003; Samuel Beckett Award 1998).

SHEA WHIGHAM
Ernie Ray
SHEA WHIGHAM startete seine Karriere in der New Yorker Theaterszene als Mitinitiator und künstlerischer Leiter der Rorshach Group und machte sich seither auch alleine einen Namen in Film und Fernsehen. Erste Aufmerksamkeit erweckte er in Joel Schumachers TIGERLAND („Tigerland“, 2000), dem rasch Auftritte in David Gordon Greens ALL THE REAL GIRLS (2003), Saamoto Junjis OUT OF THIS WORLD () und dem Fernsehfilm „Faith of our Fathers“ folgten. Für Joel Schumacher stand er wieder bei BAD COMPANY („Bad Company“, 2002) vor der Kamera und spielte außerdem Rollen in MAN OF THE HOUSE („Der Herr des Hauses“, 2005) mit Tommy Lee Jones, LORDS OF DOGTOWN („Dogtown Boys“, 2005) von Catherine Hardwicke, FIRST SNOW (2006) mit Guy Pearce, Goran Dukics WRISTCUTTERS: A LOVE STORY (2006), Robert Rodriguez’ MACHETE („Machete“, 2010), SPLINTER (2008), PRIDE & GLORY („Das Gesetz der Ehre“, 2008), FAST & FURIOUS („Fast & Furious – Neues Modell. Originalteile“, 2009), in Werner Herzogs BAD LIEUTENANT: PORT OF NEW ORLEANS („Bad Lieutenant – Cop ohne Gewissen“, 2009) mit Nicolas Cage, BARRY MUNDAY (2010), SPOONER (2009), RADIO FREE ALBEMUTH (2010) mit Alanis Morrisette, THE KILLING ROOM („Experiment Killing Room“, 2009) und SOUTH OF HEAVEN (2008). Unlängst trat er in THE CONSPIRATOR („Die Lincoln Verschwörung“, 2010) von Robert Redford auf sowie an der Seite von Matthew McConaughey in THE LINCOLN LAWYER („Der Mandant“, 2011). Kommende Projekte von Whigham sind TAKE SHELTER (2011) von Autor und Regisseur Jeff Nichols, CATCH .44 (2011) mit Bruce Willis und Forest Whitaker sowie EVERYONE LOVES WHALES (2012) von Ken Kwapis.
Derzeit spielt er in der erfolgreichen HBO-Serie „Boardwalk Empire“

HEINZ LIEVEN
Aloise Lange
HEINZ LIEVEN wurde 1928 in Hamburg geboren, wo er als Sohn eines Arztes auch aufwuchs. 1948 nahm er bei Helmuth Gmelin und dem berühmten Schauspieler Bernhard Minetti Schauspielunterricht. Seine Karriere startete er auf Hamburgs Theaterbühnen und spielte bald auf vielen Bühnen in ganz Deutschland, einschließlich dem Schiller Theater in Berlin, dem Staatstheater Stuttgart und dem Nationaltheater in Mannheim. 
In den Sechzigerjahren lief seine Karriere als Filmschauspieler an. Seither war er in über 100 Produktionen zu sehen – vornehmlich im Fernsehen. 1979 spielte er in ORDNUNG (1979) des iranischen Filmemachers Sohrab Shahid Saless, der 1980 auf dem Festival de Cannes zu sehen war. 
1978 nahm er den Posten des Künstlerischen Leiters des Niederdeutschen Theaters in Bremen an, bevor er 1981 in seine Heimatstadt Hamburg zurückging, wo er wieder in verschiedenen Theaterinszenierungen zu sehen war. Auch noch als über Achzigjähriger spielt Lieven Theater. 2010 feierte er seinen 350. Auftritt als Lehrer Bömmel in dem äußerst populären Stück „Die Feuerzangenbowle“. Bis zum heutigen Tag ist Lieven in Deutschland wie auch international ein hoch angesehener Schauspieler.
Seit 1966 ist Lieven mit der Make-Up-Künstlerin Herta Lieven verheiratet. Das Paar hat zwei Söhne.

DER STAB

Paolo Sorrentino 
Regie

Paolo Sorrentino, Regisseur und Drehbuchautor, wurde 1970 in Neapel geboren. 
2001 wurde sein erster Langspielfilm, L’UOMO IN PIU,́ mit Toni Servillo und Andrea Renzi bei den Filmfestspielen in Venedig gezeigt. 2004 ist er mit seinem darauffolgenden Film LE CONSEGUENZE DELL’AMORE im Wettbewerb der Filmfestspiele in Cannes vertreten und wird von der italienischen und der internationalen Presse gefeiert. LE CONSEGUENZE DELL’AMORE erhält zahlreiche Auszeichnungen, u.a. fünf Auszeichnungen des David di Donatello Preis: als Bester Film, Beste Regie, Bestes Drehbuch, Bester Hauptdarsteller und Beste Kamera. Drei Jahre später wird mit L’AMICO DI FAMIGLIA erneut ein Film von Paolo Sorrentino für den Wettbewerb in Cannes ausgewählt. 

2008 ist er erneut im Wettbewerb von Cannes vertreten und wird mit dem Preis der Jury für IL DIVO („Il Divo“) ausgezeichnet. 

PAOLO SORRENTINO	Filmographie (Auswahl)

2001	L’UOMO IN PIU
2004	LE CONSEGUENZE DELL’AMORE
2006	L’AMICO DI FAMIGLIA
2008	IL DIVO
2011	CHEYENNE - THIS MUST BE THE PLACE

UMBERTO CONTARELLO
Buch
UMBERTO CONTARELLO wurde 1958 in Padua geboren. Er hat an der Universität seiner Heimatstadt Literatur und Philosophie studiert und arbeitet seit 1982 als professioneller Drehbuchautor. Seine Arbeiten im Film- und Fernsehbereich umfassen (als Koautor) die Drehbücher der siebten Staffel der Serie „La Piovra“ sowie die Geschichte der achten Staffel. Er war Koautor von Gabriele Salvatores’ MARRAKESH EXPRESS (1989), der es ins Finale der Solinas Awards schaffte, von Carlo Mazzacuratis IL TORO (1994), der 1994 den Silbernen Löwen bei den Filmfestspielen von Venedig gewonnen hat, VESNA VA VELOCE (1996) und LA LINGUA DEL SANTO (2000). Darüber hinaus schrieb er an den Drehbüchern von Maurizio Zaccaros IL CARNIERE (1997; nominiert für das Beste Drehbuch bei den David di Donatello Awards) und UN UOMO PERBENE (1999) mit. Auch bei den Geschichten und Drehbüchern für Francesco Calogeros METRONOTTE (2000), Giuseppe Piccionis LUCE DIE MIEI OCCHI („Licht meiner Augen“, 2001) und Michele Placidos OVUNQUE SEI (2004) war Contarello als Koautor beteiligt. Ferner schrieb er die Drehbücher von Gianni Amelios LA STELLA CHE NON C’È (2006), Fabrizio Bentivoglios LASCIA PERDERE, JOHNNY! (2007) und LA PASSIONE (2010) von Carlo Mazzacurati. Auch die Fernsehserie „Il Segreto Dell’Acqua von Renato De Maria stammt aus seiner Feder.
Sein Roman QUESTIONE DI CUORE („Eine Sache des Herzens“, 2009), der bei Feltrinelli erschienen ist, wurde von Francesca Archibugi verfilmt. Gemeinsam mit Niccolò Ammaniti schreibt er das Drehbuch IO E TE (2013), das auf dem gleichnamigen Roman von Ammaniti basiert und von Bernardo Bertolucci in Szene gesetzt wird.
Contarello hatte darüber hinaus Cameo-Auftritte in Nanni Morettis CARO DIARIO („Liebes Tagebuch“, 1993) und Paolo Sorrentinos IL DIVO („Il Divo“, 2008).

STEFANIA CELLA
Szenenbild
STEFANIA CELLA ist eine sehr erfahrende Szenenbildnerin, die sowohl am italienischen Theater als auch bei Produktionen für Film, Fernsehen, Werbung und Musikvideos mitarbeitete. Glanzlichter im Kinofilmbereich sind WHAT JUST HAPPENED („Inside Hollywood“, 2008) und MAN OF THE YEAR („Man of the Year“, 2006) für Barry Levinson, ASSASSINATION TANGO („Killing Moves“, 2002) von Robert Duvall und JOHN Q („John Q. – Verzweifelte Wut“, 2002) für Nick Cassavetes. Ihre Filmographie weist darüber hinaus Titel auf wie THE GOODS: LIVE HARD, SELL HARD („The Goods – Schnelle Autos, schnelle Deals“, 2009), GET SMART’S BRUCE AND LLOYD OUT OF CONTROL („Get Smart – Bruce und Lloyd völlig durchgeknallt“, 2008), BURDEN OF DESIRE (2005) von Bille August, SUENO (2005), LEO (2002), DANGEROUS BEAUTY („Gefährliche Schönheit – Die Kurtisane von Venedig“, 1998) und AMATI MATTI (1996). Im Fernsehbereich arbeitete Cella mit Walt Becker bei „Glory Daze“, mit Gil Junger bei „Greek“, an David Hollanders „Heartland“, Charles Shyers „Him and Us“, David Goyers „Threshold“ sowie erneut für Barry Levinson bei „3 lbs“, „Once and Again“ und „The Castle“.
Ihre Tätigkeit im Werbefilm- und Musikvideobereich brachte sie mit Filmemachern wie Michel Gondry, Hugh Hudson, Woody Allen, Simon West, Giuseppe Tornatore und Ed Zwick zusammen. 

LUCA BIGAZZI
Kamera
LUCA BIGAZZI ist ein preisgekrönter Kameramann und in Italien extrem gefragt. Mit THIS MUST BE THE PLACE arbeitet er bereits zum vierten Mal mit Paolo Sorrentino zusammen nach IL DIVO („Il Divo“, 2008), L’AMICO DI FAMIGLIA (2006) und LE CONSEGUENZE DELL’AMORE (2004). Zu seinen anderen beachtenswerten Kameraarbeiten zählen Abbas Kiarostamis COPIE CONFORME („Der Liebesfälscher“, 2010) mit Juliette Binoche, der 2010 im Wettbewerb des Festival de Cannes zu sehen war, sowie LA PASSIONE (2010), der ebenfalls 2010 in den Wettbewerb des Filmfestivals von Venedig gewählt wurde. Überdies arbeitete Bigazzi drei Mal mit Filmemacher Michele Placido zusammen und zwar bei ROMANZO CRIMINALE (2005), OVUNQUE SEI (2004) und UN VIAGGIO CHIAMATO AMORE (2002). 
Seine jüngeren Arbeiten sind Andrea Molaiolos IL GIOELLINO (2011), Giuseppe Picconis GIULIA NON ESCE LA SERA („Giulia geht abends nie aus“, 2009), Francesca Comenciinis LO SPAZIO BIANCO (2009) und LA SICILIANA RIBELLE (2008) von Marco Amenta. Mit Preisen bedacht wurde er für seine Arbeit an Gianni Amelios LA STELLA CHE NON C’È (2006) und LE CHIAVI DI CASA („Die Hausschlüssel“, 2004) sowie an Silvio Soldinis BRUCIO NEL VENTO („Brenne im Wind“, 2002) und PANE E TULIPANI („Brot & Tulpen“, 2000).

KAREN PATCH
Kostüme
KAREN PATCH ist eine äußerst talentierte Designerin und entwarf unlängst die Kostüme für THE BACK-UP PLAN („Plan B für die Liebe“, 2010), BRIDE WARS („Bride Wars – Beste Feindinnen“, 2008) mit Anne Hathaway und Kate Hudson sowie THE LOVE GURU („Der Love Guru“, 2008) mit Mike Myers und Justin Timberlake. Mit Wes Anderson arbeitete sie drei Mal zusammen: bei BOTTLE ROCKET („Durchgeknallt – Bottle Rocket“, 1996), RUSHMORE („Rushmore“, 1998) und THE ROYAL TENENBAUMS („Die Royal Tenenbaums“, 2001). Für letztgenannten gewann sie einen Costume Designers Guild Award for Excellence in Costume Design. 
Ihre Filmographie zeigt ferner Titel auf wie Matt Stones und Trey Parkers TEAM AMERICA: WORLD POLICE („Team America“, 2004), NIGHT AT THE MUSEUM („Nachts im Museum“, 2006) mit Ben Stiller, Richard Linklaters SCHOOL OF ROCK („School of Rock“, 2003) und BAD NEWS BEARS („Die Bären sind los“, 2005) sowie HOW TO LOSE A GUY IN 10 DAYS („Wie werde ich ihn los in 10 Tagen“, 2003) mit Kate Hudson und Matthew McConaughey. Ihre Arbeit für die Russo-Brüder bei YOU, ME AND DUPREE („Ich, du und der Andere“, 2006) bescherte ihr zwei weitere Engagements: Sie designte die Kostüme für die Pilotfilme ihrer sehr erfolgreichen Fernsehserien „Community“ und „Running Wilde“.

Auch SIMPATICO (1999), HOMEWARD BOUND: THE INCREDIBLE JOURNEY („Zurück nach Hause – Die Unglaubliche Reise“, 1993), ASPEN EXTREME („Zwei Asse im Schnee“, 1993), MY GIRL („My Girl – Meine erste Liebe“, 1991), BRIGHT ANGEL („Eine unhimmlische Mission“, 1990), CHATTAHOOCHEE („Chattahoochee“, 1989) und THE BIG PICTURE („Big Picture“, 1989) zählen zu ihren Arbeiten.

CRISTIANO TRAVAGLIOLI
Schnitt
THIS MUST BE THE PLACE markiert die siebte Zusammenarbeit von CRISTIANO TRAVAGLIOLI und Paolo Sorrentino. Travaglioli schnitt für den Regisseur bereits IL DIVO („Il Divo“, 2008) sowie die Kurzfilme „La Partita Lenta“ und „La Notte Lunga“ und fungierte als Schnittassistent bei L’AMICO DI FAMIGLIA (2006), LE CONSEGUENZE DELL’AMORE (2004) und L’UOMO IN PIU (2001).
Seine Filmographie umfasst ferner Massimo Coppolas HAI PAURA DEL BUIO (2010), Corrado Guzzantis FASCISTI SU MARTE (2006) und Nina di Majos L’INVERNO (2002). Auch bei den Dokumentarfilmen THE ONE MAN BEATLES (2009) und ARMANDO E LA POLITICA („Armando und die Politik“, 2008) und bei I NOSTRI TRENT’ANNI (2004) von Giovanna Taviani war er Schnittmeister.

LUISA ABEL
Make-Up
LUISA ABEL, geboren und aufgewachsen in Südamerika, arbeitet seit 24 Jahren als Make-Up-Künstlerin. Ihre Karriere startete sie in England, wo sie für verschiedene Theater, BBC- und Kinoproduktionen arbeitete. In den letzten Jahren, die sie für Theaterinszenierungen tätig war, fertigte sie Masken für „Das Phantom der Oper“ an und wurde für die Neuinszenierung von „Oliver!“ mit Jonathan Pryce am London Palladium engagiert. Ihre Filmkarriere begann ebenfalls in England mit Titeln wie SENSE AND SENSIBILITY („Sinn und Sinnlichkeit“, 1995), SPLIT SECOND („Split Second“, 1992) und CATCH ME IF YOU CAN („Catch Me If You Can – Mein Leben auf der Flucht“, 2002). Nach ihrem Umzug in die USA arbeitete sie für unabhängige Produktionen wie SIN („Sin – Der Tod hat kein Gewissen“, 2003), HUMAN NATURE („Human Nature – Die Krone der Schöpfung“, 2001) von Michel Gondry, AMERICAN SPLENDOR („American Splendor“, 2003) von Produzent Ted Hope oder 21 GRAMS („21 Gramm“, 2003) von Alejandro González Iñárritu.

Nach jahrelanger Tätigkeit als Make-Up-Artist wird Abel heute als Maskenbild-Leiterin angeheuert, was ihr ermöglicht, Kunst und Geschäft zu verbinden. Ihre jüngsten Arbeiten umfassen INCEPTION („Inception“, 2010) von Christopher Nolan, THOR („Thor“, 2011) von Kenneth Branagh, sowie SPIDER-MAN 3 („Spider-Man 3“, 2007) und DRAG ME TO HELL („Drag Me to Hell“, 2009), beide von Sam Raimi.

Home is where I want to be
Pick me up and turn me round
I feel numb - born with a weak heart
(So I) guess I must be having fun
The less we say about it the better
Make it up as we go along
Feet on the ground
Head in the sky
It's ok I know nothing's wrong . . nothing

Hi yo I got plenty of time
Hi yo you got light in your eyes
And you're standing here beside me
I love the passing of time
Never for money
Always for love
Cover up say goodnight . . . say goodnight

Home - is where I want to be
But I guess I'm already there
I come home she lifted up her wings
Guess that this must be the place
I can't tell one from the other
Did I find you, or you find me?
There was a time Before we were born
If someone asks, this where I'll be . . . where I'll be

Hi yo we drift in and out
Hi yo sing into my mouth
Out of all those kinds of people
You got a face with a view
I'm just an animal looking for a home
Share the same space for a minute or two
And you love me till my heart stops
Love me till I'm dead
Eyes that light up, eyes look through you
Cover up the blank spots
Hit me on the head
Ah ooh
- THIS MUST BE THE PLACE (NAIVE MELODY) by the TALKING HEADS